Classical Chillout

Wed, 25 Jan 2006 23:57:55 +0100

Ricardo Gallén han sido seleccionado como intérprete junto a la Orquesta Sinfónica de Asturias en el álbum de Naxos Classical Chillout donde se incluye un movimiento de la Fantasia para un gentilhombre de Joaquín Rodrigo: II.- Espanoleta y fanfare de la Caballeria de Napoles

Más información y preescucha de la música señalada en este enlace:

http://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.570223-24

REGONDI: Airs Varies / Reverie, Op. 19 / MERTZ: Bardenklange, Op. 13

Mon, 16 Sep 2002 02:17:47 +0200

Notas de la grabación:
 Giulio Regondi (1822-1872) Johann Kaspar Mertz (1806-1856)
Si la aparición del Romanticismo supuso una sorpresa, se debió solamente a que su predecesor inmediato, el Clasicismo, había sido una evolución natural del periodo Barroco. Pero este nuevo movimiento fue un fuerte cambio, un giro en otra dirección.
Mertz y Regondi, siguiendo la norma establecida, continuaron la tradición de la figura del compositor-concertista, establecida por la generación anterior generación (Sor y Giuliani), al igual que hicieron sus contemporáneos Coste y Ferranti. No fue hasta el Siglo XX cuando Segovia, Bream y otros estudiaron el trabajo de otros compositores en lugar de escribir su propia música, y los guitarristas empezaron a disponer de un amplio repertorio con el que trabajar. Otro factor en el lento desarrollo de la guitarra fue que las academias de música de la época se negaban a su enseñanza. La naturaleza ‘tonal’ del diapasón hacía que solo unos pocos talentos tuvieran la capacidad de cambiar de tonalidad instantáneamente, algo que los pianistas ni se cuestionaban.
De todos modos, lo que la guitarra podía hacer, lo hacía muy bien. Regondi y Mertz se inspiraron en la música para piano de Chopin, Mendelssohn y Schumann, e incorporaron elementos de su música junto con su propio proceso creativo. Tras desvanecerse la popularidad que la guitarra tuvo al principio del Siglo XIX, los talentos de Regondi y Mertz permanecieron en todo su esplendor.
Giulio Regondi tuvo una infancia complicada. Su madre, alemana, murió por lo visto cuando el aún era muy niño, y fue su padre italiano (o padrastro según algunos) quien le educo, y, como guitarrista que era, le dió sus primeras lecciones de guitarra. La enseñanza derivó en explotación, y cuando el manipulador desapareció con el dinero del niño prodigio, empezaron los problemas para Giulio. La ayuda de sus amigos y su propia perseverancia le aseguraron la supervivencia, aunque nunca sabremos cuanto le afectó este temprano trauma hasta su muerte, a la edad de cincuenta años, de un largo y doloroso cáncer.
Al contrario que otros niños prodigio, Regondi maduró para convertirse en un artista de gran genio poético, y su reputación aumentó proporcionalmente. En su infancia había conocido y tocado con la guitarrista Catherine Josepha Pelzer (madame Sidney Pratten). También con músicos como el pianista Ignaz Moscheles, la cantante Maria Malibran y la pianista Clara Schumann. Además Fernando Sor había dedicado a Giulio el Souvenir d’Amitie, Op. 46.
Las composiciones para guitarra de Regondi no solo reflejan su carácter gentil sino el romanticismo de su época. Gracias al descubrimiento de sus 10 Estudios (que se creían perdidos) por Matanya Ophee, tenemos mas elementos de juicio para valorar la contribución de Regondi. Los dos Airs Varies, Op.22 y Op.23 nos reafirman en la estima hacia su obra. Ambos comienzan con una introducción lenta seguida de un tema Andante, de ligero carácter operístico, después del cual vienen diversas variaciones (cuatro en Op.22, cinco en Op.23) en las que se exhiben los recursos del instrumento: brillantes pasajes en fusas, un trémolo en tonalidad menor, sucesiones de novenas y tresillos.
El Estudio No.4b no es uno de los 10 a los que nos referimos más arriba, sino que se cree que es una transcripción de una de sus propias piezas para concertina, de la que era un virtuoso y para la que compuso incluso muchas más piezas que para guitarra. El estudio tiene una forma típica de Regondi: melodía en los agudos apoyada en los graves por acordes interrumpidos. Algo muy característico de sus piezas, aunque recuerda un poco a Schumann.
La técnica del trémolo esta ideada para dar la sensación de una nota que se sostiene. El uso de esta en la Reverie Op.19 ensombrece, incluso, a la posterior y mucho mas popular Recuerdos de la Alhambra de Tarrega, y es una de las piezas favoritas de los guitarristas. A la introducción, lenta, siguen ráfagas de semifusas antes de que entre la sección del trémolo. Una elocuente aria en los graves interrumpe este fluir antes de que una interesante secuencia de acordes nos devuelva a la parte del trémolo.
El limitado conocimiento de la obra de Regondi llevó a que en el pasado se le infravalorase, pero un estudio mas exhaustivo revela que su obra merece mucho la pena. Pocos compositores conocían tan bien sus instrumentos como Regondi conocía la guitarra y la concertina. Fue un compositor único.
Johann Kaspar Mertz nació en la que entonces era ciudad húngara de Pozsony (después Pressburgo y ahora Bratislava). Se estableció en Viena, donde tuvo el acierto, o la suerte, de ser protegido de la realeza. Su vida aun así no fue del todo fácil, pero a diferencia de Regondi, los problemas le llegaron más tarde, cuando ya era adulto. Canceló muchos conciertos por enfermedad. Las revoluciones e insurrecciones le privaron de un mayor número de alumnos. Para rematar, su mujer la pianista Josephine Plantin casi le mata accidentalmente con una sobredosis de la estricnina que le había sido recetada para su neuralgia. Por otra parte, ella le introdujo a las obras para piano de Chopin, Schumann y Mendelssohn, que le influyeron poderosamente.
El gusto musical de la Viena del Siglo XIX abarcaba música de prácticamente todos los países cercanos. La Polonesa estaba entre las favoritas, y Schubert escribió seis para dos pianos. Mertz le superó con sus siete. Como las de Schubert, se aproximan mas a la concepción vienesa de la polonesa (algo para tocar, más que una danza) que al modelo polaco original. Al igual que las de Schubert, tienen una seccion de trío que contrasta antes de volver a la repetición del comienzo. Forman parte del Bardenklange (Sonidos de los Bardos), un inmenso trabajo que contiene casi treinta piezas muy variadas.
Otra obra del Bardenklange es el Rondino. Comienza con una majestuosa marcha en La menor seguida de una elegante sección en La mayor que precede a la parte principal de la obra, en forma de rondo, más clasica que romántica en cuanto a estilo, pero que exige una técnica virtuosa para trasladarla al idioma guitarrístico. Contiene pocas sorpresas armónicas pero nos deja ver que Mertz debió ser, como Regondi, un guitarrista de excepcional habilidad.
Uno de sus admiradores fue un ruso, Nikolay Makarov, a quien debemos una singular descripción de Mertz: "Un hombre alto, de unos cincuenta años, ni gordo ni Delgado, muy modesto. Tocaba con fuerza, energía, sentimiento, claridad y expresión". Fue Makarov quien en 1856 ofreció dos premios a la mejor composición para guitarra. La Op.65 de Mertz fue la ganadora, pero el compositor murió antes de poder recibir el premio. Como Regondi, solo vivió hasta los cincuenta años, pero enriqueció enormemente el repertorio de la guitarra.
Colin Cooper
Traducción: Marcos Muslera

RODRIGO: Concierto Madrigal / Concierto para una Fiesta (Complete Orchestral Works, Vol. 5)

Thu, 4 Oct 2001 12:18:44 +0200

Concierto para una fiesta  01. Allegro deciso 10:57  02. Andante calmo 11:07  03. Allegro moderato 6:58  Ricardo Gallen, guitar
Concierto Madrigal  04. Fanfare: Allegro marziale 2:06  05. Madrigal: Andante nostalgico 2:49  06. Entrada: Allegro vivace 1:46  07. 'Pastorcico, tu que vienes, pastorcico tu que vas': Allegro vivace 1:40  08. Girardilla: Presto 1:48  09. Pastoral: Allegretto 3:05  10. Fandango: Molto ritmico 2:12  11. Arietta: Andante nostalgico 5:59  12. Zapateado: Allegro vivace 6:03  13. Caccia a la espanola: Allegro vivace 5:01  Joaquin Clerch, guitar / Ricardo Gallen, guitar
Orquesta Sinfonica del Principado de Asturias  Maximiano Valdes, conductor

Notas de la grabación:

Joaquín Rodrigo (1901-1999)
Concierto para una fiesta • Concierto Madrigal
Joaquín Rodrigo nació en Sagunto (Valencia), el 22 de noviembre de 1901, hijo de un padre dedicado a los negocios y el menor de diez hermanos. La difteria le dejó ciego a los cuatro años, lo que marcaría su inclinación a cultivar su mundo interior y luego a dedicarse por completo a la música. En 1906, la familia se instala en Valencia, donde Rodrigo recibió su primera enseñanza musical en el Colegio de Ciegos. La escucha de Rigoletto de Verdi le convence de su vocación de compositor. De 1917 a 1922 asistió a las clases de composición impartidas por Francisco Antich en el Conservatorio de Valencia. Sus primeras obras se fechan en 1922 y dos años más tarde tuvo lugar el estreno de Juglares para orquesta. Fue ésta una época de contacto con el grupo de compositores madrileños de vanguardia, etapa cerrada al no ganar el Premio Nacional de Música en 1925, trasladándose entonces a París, donde amplió conocimientos con Dukas. En los años treinta se suceden la boda (1933) con la pianista turca Victoria Kamhi, una fuerte crisis económica, la separación de su mujer — añorada en el Cántico de la esposa— y el reencuentro en París de la pareja (1935). Tras la Guerra Civil Española, tiene lugar el estreno del Concierto de Aranjuez, protagonizado por el guitarrista Regino Sáinz de la Maza, la obra que consagró definitivamente al compositor. Siguieron luego las creaciones que formarían el eje principal del catálogo de Rodrigo: el Concierto heroico para piano (1943), el Concierto de estío para violín (1944), las Ausencias de Dulcinea para bajo, cuatro sopranos y orquesta (1948) y el Concerto in modo galante para violonchelo (1949). Durante los años de la dictadura del general Franco, el arte de Rodrigo representó el trabajo musical español en el extranjero, al menos hasta que entró en escena la renovación introducida por la Generación del 51. El estreno en San Francisco, en 1958, de la Fantasía para un gentilhombre, por su dedicatario, el guitarrista Andrés Segovia, supondría el punto culminante de esa proyección internacional. Realiza también en esos años un acercamiento a la música escénica por medio de dos partituras, el ballet Pavana real (1955) —sobre la vida de Luis de Milán— y la zarzuela, a partir un tema de Lope de Vega, El hijo fingido (1955-1960), que estrenada en 1964 sólo en 2001, con motivo del centenario del autor, volvió a merecer una nueva producción, la del madrileño Teatro de la Zarzuela. 1964 fue también el año del Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, importante reconocimiento de los medios académicos a su labor creadora. En los años siguientes compuso menos y la irrupción de los vanguardistas le relegó a un segundo plano; irónicamente, algunos encargos significativos le llegaron de fuera, como el del poema sinfónico A la busca del más allá (1976), encomendado por la Sinfónica de Houston para la celebración del bicentenario de la independencia de los Estados Unidos. El flautista James Galway le pidió asimismo una obra para su instrumento, el Concierto pastoral (1978), con el que Rodrigo proseguía su famosa serie de conciertos, uno de los cuales —el Concierto para una fiesta (1982)— sería la última obra importante que compusiera. Luego, el silencio; y la muerte, que le llegó pausadamente, el 6 de julio de 1999, no lejos de los cien años de edad.
El Concierto para una fiesta nació en 1982 por un encargo procedente de los Estados Unidos, a petición, en concreto, de William y Carol McKay de Fort Worth, Texas, para festejar la puesta de largo de sus hijas Alden y Lauri. Este acontecimiento tan mundano, en el que en efecto se escucharía la obra por vez primera, condicionaría seguramente el trabajo de Rodrigo, quien no firmaría en esta partitura su mejor obra, pero también se aprecia la sombra del Concierto de Aranjuez —obviamente su obra maestra para la forma concertante—, porque era la primera vez que el autor retomaba a la guitarra en solitario como protagonista de un concierto desde entonces. Ello no quiere decir que Rodrigo hubiera perdido capacidad de escribir idiomáticamente para la guitarra, como testimonió Pepe Romero, para quien esta obra era la más difícil que había tocado.
La forma del Concierto para una fiesta es clásica: el Allegro deciso ofrece dos temas —en La menor y Re menor— que según el mismo Rodrigo poseen un talante "muy valenciano". El tiempo lento, Andante calmo, no está lejos del análogo del Concierto de Aranjuez, incluso porque es el corno inglés el encargado de aportar el tema lírico. El final, Allegro moderato, es un cierre jubiloso, con pinceladas andaluzas, muy apropiado para el contexto social de la primera interpretación de la música. El estreno aconteció privadamente en el Ridglea Country Club, en Fort Worth, Texas, el 5 de marzo de 1983, por Pepe Romero a la guitarra, con la Texas Little Symphony, dirigida por John Giordano.
Rodrigo compuso su Concierto Madrigal en 1966 para el dúo de guitarristas formado por Alexandre Lagoya e Ida Presti, aunque no fueron finalmente estos artistas quienes estrenasen la obra. Está claro que la dialéctica concertante sigue presente en esta composición, pero lo cierto es que la estructura, en diez breves movimientos, se aproxima a la de una suite. Un hilo conductor otorga unidad a unos materiales que en otro caso hubieran corrido el riesgo de la dispersión; el elemento de cohesión se cifra en las variaciones a partir del madrigal ‘O felici occhi miei’, que aparece en el Renacimiento español en multitud de arreglos instrumentales. El título de cada movimiento —de acuerdo con lo expresado por el compositor— alude a la búsqueda de una atmósfera poética muy determinada. Algunos episodios denotan más claramente la proximidad de las cadencias y giros del madrigal de partida, por lo que adquieren un carácter más arcaizante; otros, en cambio, se encuentran más cerca de la música popular.
Se inicia la obra con la llamada de atención de la Fanfare; el Madrigal lo enuncian primero los dos solistas, que son inmediatamente imitados. El movimiento Entrada toma su función del mundo del ballet, en tanto que el antifonal ‘Pastorcico, tú que vienes, Pastorcico, tú que vas’ es un villancico popular. Girardilla introduce uno de los pasajes de mayor virtuosismo para los solistas. La Pastoral tiene la gracia típica de Rodrigo y el Fandango nos lleva al mundo dieciochesco de Antonio Soler. La Arietta es simétrica del Madrigal; el Zapateado consiste en un baile muy animado y la Caccia a la española cierra la obra en un clima muy alegre.
El estreno del Concierto Madrigal tuvo lugar en Los Angeles, el 30 de julio de 1967, en el Hollywood Bowl, en presencia del compositor, por los guitarristas Ángel y Pepe Romero, con la Sinfónica de la ciudad, dirigida por Rafael Frühbeck. La acogida por parte del público estadounidense de ésta y otras interpretaciones que le siguieron fue unánimemente entusiasta.
Texto de Enrique Martínez Miura

Joaquín Clerch
Joaquín Clerch nació en La Habana en 1965 y desde la niñez estudió guitarra con Leopoldina Núñez. Continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes y después en el Instituto Superior de Arte. Sus profesores fueron, entre otros, Marta Cuervo, Antonio Rodríguez, Rey Guerra, Costas Cotsiolis, Leo Brouwer y, en composición, Carlos Farrinas. En 1990, comenzó su aprendizaje en Salzburgo con una beca del Mozarteum, donde estudió guitarra con Eliot Fisk, música antigua con Nikolaus Harnoncourt y Anthony Spiri y música contemporánea con Oswald Salaberger. Acabó los estudios en 1991 con la recompensa más alta, recibiendo el premio que el Ministerio de Cultura de Austria otorga a los mejores graduados. Joaquín Clerch ha dado conciertos, entre otras ciudades, en París, Tokio, Munich, Francfort, Bruselas, Atenas, Toronto, La Habana, Río de Janeiro, Bogotá, Belgrado, Estambul y Salzburgo. Ha colaborado como solista con orquestas tan conocidas como la Filarmónica de Stuttgart, la Filarmónica de Bogotá, la Sinfónica de la Radio de Baviera, la Sinfónica Eslovaca, la Sinfónica Nacional de Cuba, la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, o la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y su director Adrian Leaper entre otras: con la cual realizó la primera grabación mundial de El concierto de la Habana de Leo Brouwer (1998) y el Concierto de Carlos Fariñas (1996), Joaquín Clerch es actualmente catedrático de la universidad de música Robert Schumann en Düsseldorf, y paralelamente a su labor como intérprete sigue trabajando en la composición, donde ya quenta con su primer concierto para guitarra y orquesta.
Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias
La historia de la Orquesta del Principado se remonta a 1937. Hizo su presentación oficial como Orquesta Sinfónica en enero de 1940 bajo la batuta de Amalio López. En 1943 se hace cargo de su dirección Ángel Muñiz Toca, quien a lo largo de veinte años realiza una importantísima labor musical a través de toda la provincia y también fuera de Asturias. Temporalmente, y por falta de recursos económicos, se redujo a Orquesta de Cámara. Los directores de su segunda época fueron nombres también vinculados a la vida musical asturiana, como Vicente Santimoteo y Alfonso Ordieres, hasta la llegada del maestro Benito Lauret en el año 1974. En 1980 se abre una nueva etapa con la incorporación de Víctor Pablo Pérez, etapa que culminaría en 1988 con la decisión de sustituir a la antigua Orquesta Sinfónica de Asturias por un nuevo conjunto de mayor plantilla y preparado para asumir otros repertorios más amplios que la vida musical asturiana demandaba en la década de los 90. La Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias se presentó oficialmente en 1991, siendo su primer Director Titular Jesse Levine. En una agrupación compuesta por 69 profesores, contando desde 1994 con la firme y segura batuta de Maximiano Valdés, director de solvente prestigio que viene desarrollando una gran carrera internacional.
Su actividad musical afronta todo tipo de programaciones, en las que prevaleciendo el repertorio sinfónico y sinfónico-coral, colabora en la Temporada de Ópera, Temporada Lírica de Zarzuela, Ciclos de Cámara y en todas aquellas actividades en las que su presencia sea requerida dentro de la Comunidad Autónoma. También ha realizado diversas giras y participado en otros Festivales Internacionales fuera de Asturias. En noviembre de 1996 realiza su primera gira internacional. Invitada por el gobierno chileno viaja a Santiago inaugurando la "VI Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno" y cerrando sus actuaciones con un multitudinario concierto en la Catedral de Santiago. Desde Chile se traslada a México D.F. el grupo de cámara que participaría en las actividades de la 6ª Semana Cultural de Asturias. Ha dedicado sus primeras grabaciones a la música asturiana.
Maximiano Valdés
Maximiano Valdes ha estado ligado en múltiples ocasiones a la vida musical española. Ha sido director titular de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y posteriormente, durante tres temporadas, principal director invitado de la Orquesta Nacional de España. Ha dirigido varias veces en el Liceu de Barcelona y la Orquesta de la Ciudad de Barcelona. También ha realizado conciertos con la Orquesta de Radio Televisión, las Sinfónicas de Bilbao, Málaga, Sevilla y otras orquestas importantes españolas. Desde julio de 1994 es Director Titular y Artístico de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias. Nacido en Santiago de Chile, de antiguo origen asturiano, realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional y posteriormente en la Academia de Santa Cecilia en Roma. En Italia estudió composición con G. Petrassi, además de piano y violín. Después de algunos años dedicados a la composición, estudió con Franco Ferrara Dirección de Orquesta en Roma y posteriormente en Venecia. En 1976 fue Director Asistente del Teatro de la Fenice en Venecia y al año siguiente fue Director Invitado en Tanglewood, donde trabajó con Leonard Bernstein y Seiji Ozawa. Su carrera profesional empieza en 1982, después de ganar dos importantes premios internacionales: el Vittorio Gui en Florencia y el N. Malko en Copenhague. Ha dirigido orquestas prestigiosas en Francia, Inglaterra, y Italia, y desde 1990 ha sido titular en la Filarmónica de Buffalo en E.U., con la cual ha realizado grabaciones y giras.

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http://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.555842#

RODRIGO: Complete Orquestal works Works Vol.2

Tue, 19 Jun 2001 02:05:45 +0200

Concierto de Aranjuez  01. Allegro con spirito 06:07  02. Adagio 11:03  03. Allegro gentile 05:12
Fantasia para un gentilhombre  04. Villano y Ricercare 04:27  05. Espanola y Fanfare de la caballeria de Napoles 09:59  06. Danza de las Hachas 02:05  07. Canario 04:58
Ricardo Gallen, guitar
Concierto Andaluz for four guitars and orchestra  08. Tempo di bolero 08:00  09. Adagio - Allegro - Allegretto - Tempo I 10:07  10. Allegretto 06:15  EntreQuatre Guitar Quartet
Orquesta Sinfonica del Principado de Asturias  Maximiano Valdes, conductor

Notas de la grabación:

Joaquín Rodrigo (1901-1999)
Concierto Andaluz • Fantasía para un gentilhombre • Concierto de Aranjuez
Joaquín Rodrigo nació en Sagunto (Valencia), el 22 de noviembre de 1901, hijo de un padre negociante y el menor de diez hermanos. La difteria lo cegó a los cuatro años, lo que marcaría su inclinación a dedicarse a la música. En 1906, la familia se instaló en Valencia, donde Rodrigo recibió su primera enseñanza musical en el Colegio de Ciegos. De 1917 a 1922 asistió a las clases de composición de Francisco Antich en el Conservatorio de Valencia. Sus primeras obras son de 1922 y dos años más tarde tuvo lugar el estreno de Juglares para orquesta. Fue ésta una época de contacto con el grupo de compositores madrileños de vanguardia, etapa cerrada al no ganar el Premio Nacional de Música en 1925, trasladándose entonces a París, donde amplió conocimientos con Dukas. En los años treinta se suceden la boda (1933) con la pianista turca Victoria Kamhi, una fuerte crisis económica, la separación de su mujer, añorada en el Cántico de la esposa, y el reencuentro en París de la pareja (1935). Tras la Guerra Civil Española, se estrena el Concierto de Aranjuez, la obra que consagró definitivamente al compositor. Siguieron el Concierto heroico para piano (1943), el Concierto de estío para violín (1944), las Ausencias de Dulcinea para bajo, cuatro sopranos y orquesta (1948) y el Concerto in modo galante para violonchelo (1949). Durante los años de la dictadura de Franco, el arte de Rodrigo representó la música española en el extranjero, al menos hasta que entró en escena la renovación introducida por la Generación del 51. El estreno en San Francisco, en 1958, de la Fantasía para un gentilhombre, supondría el punto culminante de esa proyección internacional. Realizó también en esos años un acercamiento a la música escénica por medio de dos partituras, el ballet Pavana real (1955) y la zarzuela, a partir un tema de Lope de Vega, El hijo fingido (1955-1960), que estrenada en 1964 sólo en 2001, con motivo del centenario del autor, volvió a merecer una nueva producción, la del madrileño Teatro de la Zarzuela. 1964 fue también el año del Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Salamanca. En los años siguientes compuso menos y la irrupción de los vanguardistas le relegó a un segundo plano; irónicamente, algunos encargos significativos le llegaron de fuera, como el del poema sinfónico A la busca del más allá (1976), encomendado por la Sinfónica de Houston para la celebración del bicentenario de la independencia de los Estados Unidos. El flautista James Galway le pidió asimismo una obra para su instrumento, el Concierto pastoral (1978), con el que Rodrigo proseguía su famosa serie de conciertos, uno de los cuales, el Concierto para una fiesta (1982), sería su última obra. Luego, el silencio; y la muerte tranquila, el 6 de julio de 1999.
El Concierto de Aranjuez es una obra de importancia histórica indudable por doble motivo: ser la primera obra concertante moderna que enfrenta la guitarra a la orquesta y como primera música española de éxito mundial posterior a la Guerra Civil. El conflicto no había acabado cuando Rodrigo compuso el Concierto en París a principios de 1939, pero lo acabó en Madrid, enmudecidas las armas. Un aire de nostalgia por tiempos mejores anima la música; no hay programa, sino una vaga referencia a Aranjuez, el "real sitio" que los reyes borbones españoles usaban como lugar de descanso veraniego en el siglo XVIII. Una pequeña villa, con bosques frondosos y jardines amenos, donde se oía cantar a los pájaros; una alusión, en definitiva, a los bienes de la paz en una época de guerra.
Rodrigo resolvió el principal problema del concierto, el del equilibrio entre la guitarra y la orquesta, con una orquestación transparente que nunca oculta al frágil solista. Eludiendo todo descriptivismo, la atmósfera de casticismo se enmarca en una forma clásica de concierto; la parte solista es adecuadamente idiomática.
El primer movimiento es un Allegro con spirito luminoso y rítmico, donde los rasgueados de la guitarra instalan un clima de franca alegría. El tiempo central, Adagio, que ha sufrido todo tipo de arreglos, es un diálogo elegíaco, en que la guitarra alterna con los solos del corno inglés, el fagot, el oboe y la trompa. El Allegro gentile final es una danza cortesana, de escritura ligerísima, que combina compases de dos y tres tiempos. El Concierto de Aranjuez fue estrenado en Barcelona, el 9 de noviembre de 1940, por el guitarrista Regino Sáinz de la Maza, quien convenciera a Rodrigo para componerlo, y la Filarmónica de Barcelona, dirigida por César Mendoza Lasalle.
La obra más popular de Rodrigo, después del Concierto de Aranjuez, es también para guitarra y orquesta, la Fantasía para un gentilhombre. Fue escrita en 1954 para Andrés Segovia, el guitarrista más influyente del siglo XX, que rescatara el instrumento de las tabernas para llevarlo a las salas de conciertos. Es sabido que a Segovia no le gustaba el Concierto de Aranjuez y por ello Rodrigo le ofreció la Fantasía. En esta nueva obra el compositor valenciano no mira al siglo XVIII, sino al XVII, pues el "gentilhombre" del título se refiere a Gaspar Sanz, el autor de música para guitarra más importante del barroco español. Falla ya había usado una gallarda de Sanz en El retablo de maese Pedro, pero lo que en éste era circunstancial en Rodrigo sería el esqueleto de toda su Fantasía. En efecto, todos los temas proceden de la Instrucción de música sobre la guitarra española, que Sanz editara en Zaragoza en 1674. Rodrigo desarrolla y orquesta los materiales de partida, que son en su mayoría danzas famosísimas en la época, españoletas, de las hachas, canarios, poniéndolos en relación con su picante entendimiento neocastizo. El resultado es posiblemente un tanto híbrido, sobre todo visto desde hoy, cuando hemos vuelto a prestar atención a los originales de Sanz, pero que no deja de poseer la característica alegría vital de Rodrigo.
La Fantasía para un gentilhombre fue estrenada en San Francisco, California, el 5 de marzo de 1958, por Andrés Segovia, la Sinfónica de San Francisco y el director Enrique Jordá.
A petición de un cuarteto de guitarristas, Los Romeros, Celedonio y sus tres hijos, Celín, Pepe y Ángel, escribió Rodrigo en 1967 su Concierto Andaluz. El principal problema era entonces el evitar repetirse a sí mismo, convirtiendo la nueva obra en una especie de Concierto de Aranjuez con la parte solista multiplicada por cuatro. En el Andaluz no hay recreación neoclásica, sino una extracción directa de la música folclórica andaluza. Evita, sin embargo, Rodrigo la cita de temas populares concretos, recogiendo únicamente los esquemas rítmicos, los giros y las atmósferas. La forma es convencional y está tratada con suma sencillez; la escritura para las cuatro guitarras es plenamente idiomática. El decidido Tempo di bolero evoca bailes populares; la cuerda imita la percusión de las castañuelas. El Adagio es de un lirismo parangonable al tiempo análogo del Concierto de Aranjuez; destaca en este tiempo la cadencia para los cuatro solistas. Se cierra la obra con un vibrante y vigoroso Allegretto. El Concierto Andaluz fue estrenado en San Antonio, Tejas, el 18 de noviembre de 1967, por los Romeros, la Sinfónica de San Antonio y dirección de Victor Alessandro.
Notas de Enrique Martínez Miura

Más información en Naxos aquí:
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Guitar Recital: Ricardo Gallen

Thu, 16 Mar 2000 02:28:20 +0100

JOAQUIN RODRIGO  En Los Trigales  JOAQUIN CLERCH  Guitarresca  DARIUS MILHAUD  Segoviana  LEO BROUWER  Hika y Sonata  I. 'Fandangos y Boleros II. 'Sarabanda de Scriabin III. 'La Toccata de Pasquini
TORU TAKEMITSU  Folios I , II y III y Equinox
 FLORES CHAVIANO  Sonata, Evocacion, Boceto
FRANCISCO TÁRREGA  Preludio No.2 y preludio No.5
Notas de la grabación:

Aparte de las conocidas piezas de Rodrigo y Tárrega incluidas en este disco, las obras restantes son sin duda algunas de las más arriesgados que Naxos ha producido hasta ahora en su Serie de Colección de Guitarra. La mayoría de las piezas fueron compuestas hacia los últimos años del siglo XX.
 En el corazón de este disco están las obras de Leo Brouwer y Toru Takemitsu, dos compositores tenidos en gran consideración por los guitarristas y, en esencia, reflejan las mejores composiciones contemporáneas para el instrumento.
La Sonata de tres movimientos de Brouwer fue encargada por Julian Bream y parece que Brouwer adaptó el acercamiento individual de Bream a una interpretación contemporánea de la partitura. Sin embargo, la versión de Ricardo Gallén muestra que Bream no tiene el monopolio de la interpretación y Gallén se nos presenta con su propia sólida visión de está poderosa obra. Su control de la textura y el matiz del color son evidentes en su interpretación de "Folios" y "Equinox" los cuales son ingredientes muy importantes en la música de Toru Takemitsu.
Probablemente el otro compositor más importante incluido en este disco es Darius Milhuad. En cuatro minutos 17 segundos de Segoviana solo puede ofrecernos un destello de lo que Milhuad podría haber conseguido si se le hubiese dado un lienzo más extenso. En realidad, debe ser considerada una de las piezas más significativa del repertorio consolidado de guitarra contemporánea.
Ricardo Gallén demuestra una nueva percepción total de toda la música que toca en este disco. Los timbres que utiliza son siempre inteligentemente empleados (exprime a Tárrega hasta el límite, aunque nunca hasta el punto de ser sensiblero) produciendo la interpretación más innovadora. Volví a este disco no en calidad de crítico sino para escucharlo y disfrutarlo por si mismo; hoy por hoy es uno de mis favoritos.
 Andy Daly
Traducción: Montse López Rogado

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Críticas de esta grabación aquí.

GIULIANI: Variations

Mon, 12 Jul 1999 02:37:20 +0200

Variations on a Theme from the opera Fanchon, Op.88
Variations on a Theme by Paisiello, Op.4
Variations on Folies d'Espagne, Op.45
Variations on a Theme by Handel, Op.107
Variations on a March by Cherubini, Op.110
Pot-Pourri Nazionale Romano, Op.108
Variations on a Theme from Rossini's opera Tancredi, Op.87

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