G. M. MEAVE | LA BITÁCORA

La mano que mece la pluma

Tue, 20 Oct 2009 19:22:46 -0500

Today we finished setting up a concise but nice exhibit of my work on calligraphy, sketchbooks and type design, at the Museo Mural Diego Rivera, in the centre of Mexico City. Next Monday 26th, at 7 PM, we’ll have the opening of the show –under the name La mano que mece la pluma as part of the event Typ09, the preparation of which has taken the better part of the last two months... uff!
You’re all invite to attend the opening! Don’t forget to get a nice catalog of the show, on sale at the entrance. See you there!
Museo Mural Diego Rivera
Balderas y Colón s/n.
T. 5521 5318

typ09!

Mon, 19 Oct 2009 21:23:36 -0500

And now, let’s announce it with full fanfare: next week, on Monday 26th, the biggest world event on type, letter, calligraphy and related stuff gets started: typ09, the 53rd Conference of the Association Typographique Internationale (ATypI) is to be celebrated in Mexico City, for the first time in its 70-year history.
The Conference comprises 3 days of international lectures, 2 days of workshops, plus a constellation of expositions, a Gala dinner and other cultural and social events, allowing the world type community to rub elbows and get acquainted, as well as keep an eye on the latest upgrades and achievements on type, from technology to tradition, from incunnabula to pixels.
I had the great satisfaction to design the visual identity of the Conference, complete with original lettering, as well as the promotional video (shown above) which was developed at our studio Kimera, together with the talented Isaías Loaiza and Alfredo Lezama, under the sponsorship of the Universidad Anáhuac, the institution backing and hosting the event. (You may take a look to the high-res version in this link.)
The lectures program will be held at the Museo Interactivo de Economía (MIDE), together with various activities in several locations in the historical center of our city, such as Museo Franz Mayer, the House of the First Press, etc. The complete program, and all details about fees, accomodation and participants, can be consulted in the ATypI site.
I will be giving a brief lecture called “The feathered mouse”, and also showing personal work on calligraphy, sketchbooks and type design in the exhibit “La mano que mece la pluma” that will take place in the Museo Mural Diego Rivera, just by the side of the Alameda Central.
Everyone is invited. I hope to see you all there. You don’t want to miss this one!

Mestizaje infinito

Wed, 14 Oct 2009 10:16:58 -0500

“Mezclar es bueno”, se dice por ahí. En este caso, la mezcla es de fotografía e ilustración, siendo el culpable de la primera, el genial Enrique Covarrubias, y de la segunda, quien esto escribe. Se trata de otro proyecto que terminé hace unos días y que ahora titulo “Mestizaje infinito” en base al tema del tiempo y México. Sobre las imágenes dibujé un espacio mental donde cohabitan glifos mayas, complicaciones de alta relojería, clepsidras, engranes y textos crípticos. El proyecto fue auspiciado por Audemars Piguet, para el reloj de edición especial Pride of Mexico. Pronto más posts. Como dijo McArthur: I’ll be back!

Muerte de tinta

Fri, 9 Oct 2009 23:03:40 -0500

Ayer recibí mis ejemplares impresos de Muerte de Tinta, última parte de la Trilogía de Tinta. Como en el caso de los dos volúmenes anteriores, Corazón de Tinta y Sangre de Tinta, me tocó también hacer la portada para la edición latinoamericana de esta novela final de la autora alemana Cornelia Funke, publicada por Siruela y el Fondo de Cultura Económica.
La técnica de ilustración la he comentado en posts anteriores, pero a grandes rasgos, se trata de dibujo muy detallado en axurado y esgrafiado, en grafito, más color digital. Quedé muy contento con el resultado, que redondea y cierra esta abigarrada historia de libros dentro de libros y personajes dentro de personajes, más allá de las típicas historias de fantasía infantil-juvenil.
Esta ilustración la terminé hace unas semanas, y es probablemente una de las más complejas que he realizado. Ojalá les guste. Pronto estaré de regreso con más posts.

De talleres y visiones múltiples

Sat, 12 Sep 2009 21:20:50 -0500

Este es un pequeño anuncio. Bueno, dos: Voy a dar un taller de ilustración organizado por la Guía de Diseño Mexicano, coordinada por mi amiga Laura Gómez, quien abrirá su espacio de la colonia Roma para este workshop de 20 horas, empezando el viernes 18 de septiembre. Ojalá les lata y se inscriban. Toda la información está en link previo y aquí.
El segundo taller se realizará –junto con una
concisa exposición de mi trabajo– en
Amarillo Centro de Diseño en la
brumosa Xalapa (toda info acá),
organizado por Aida Aguilera
+ equipo, que me dejaron
improvisar un cartel
para el evento, que
me gustó y que
está aquí
mero:

Marcas MEX (y un poco más de nostalgia)

Fri, 31 Jul 2009 20:39:34 -0500

El fin de mes ya nos alcanzó. Y además fue un mes movidito y con buen material posteado, pa’ variar. En esta ocasión se trata de un poco más de “nostalgia” por el papel y de noticias que me pedían aparecer en este espacio, en la misma línea del post anterior que pueden ver acá.
Así que sin más, vámonos con algunas reseñas:
Ximena Pérez Grobet y Quim Larrea son los compiladores y editores del jugosito volumen Marcas & Trademarks MEX, horneado por la conocida editorial española Gustavo Gili. Tuve la fortuna de que una docena de logos y marcas hechos por mi estudio Kimera (incluyendo dos emblemas del mismísimo changarro) fueran seleccionados para este libro. También figuran variadísimos trabajos de muchos diseñadores y despachos de nuestro país. Sobre todo me da gusto que se incluyan diseños muy queridos para mí como el cabezal que ejecuté hace años para la legendaria revista Matiz. El libro ya está a la venta en Gandhi, El Parnaso, El Sótano y muchas otras librerías.
A fines del año pasado, la alta y decidida Patricia Luévano me realizó una pequeña entrevista para su revista experimental Locomoción, que reúne temas de diseño, arquitectura, moda y cultura contemporánea, publicada en la norteña Shiwawa. Al lado se muestra la publicación multicolor, desplegable como poster y con salida bimestral.
Los productores de la película Rudo y Cursi (que confieso no haber visto todavía) de Carlos Cuarón, tuvieron la curiosa idea de utilizar mi fuente Lagarto, que diseñé hace algunos años a instancias de Gonzalo García Barcha, editor, pintor, tipógrafo y diseñador de títulos cinematográficos, entre otras cosas. Sobra decir que él figura entre los creadores de la imagen para este film: su uso tipográfico bipolar y “rudo” me parece una gran idea.
No hay duda, los caminos del Diseño Gráfico son impredecibles: por eso nunca pensé que justo éste fuera el tema de un programa de televisión, un reality show vocacional en el que me tocó figurar en el papel de diseñador “experto” que orienta a tres chavos en los laberintos de esta profesión, a través de “retos” para estimular sus capacidades gráficas y creativas latentes. El programa es Interesados Presentarse y lo transmite OnceTV. Otras profesiones elegidas son Fotografía, Derecho, Gastronomía, Arqueología, Actuación, Medicina, Psicología y Criminalística, cada una con su respectivo “experto”. Susana, Grecia y Yael, mis chavos seleccionados, hicieron muy buen trabajo y creo que hasta se divirtieron, a pesar de los retos medio “criminales” que se me ocurrieron para ellos. Independientemente de las inexorables cámaras y el nerviecito escénico inicial, la verdad es que me la pasé bomba durante los cinco episodios de la serie. Ojalá no me haya fallado la vocación...
En la exclusiva revista LetterSpace, publicada por el Type Directors Club de Nueva York, aparecíó el mes pasado un artículo titulado Typography in Mexico, rubricado por Félix Beltrán, en el que aparece reseñado algo de mi trabajo junto con el de otros colegas de por acá.
Justo ayer se estrenó la exposición «Visiones de un tiempo», celebrando 12 años del Instituto de Diseño Darias, en Caracas, Venezuela. El mismísimo Juan Carlos Darias –polifacético personaje con el que comparto la obsesión por las enseñanzas de Don Juan, los objetos de poder y el diseño nagual– tuvo a bien invitarme a participar con un cartel, al lado de nombres como Santiago Pol, Isidro Ferrer, Alain Le Quernec, Pérez Ñiko, Alejandro Magallanes, Bruno Porto, Renato Aranda y José Manuel Morelos, entre otros cartelistas internacionales y latinoamericanos.
Otra cosita: Me informaron que el portafolio de fotos de moda de Enrique Covarrubias que ilustré para Harper’s Bazaar será publicado ¡en Dubai! Otra más: en días pasados tuve la oportunidad de conversar –junto con mi cuate-colega Leonardo Vázquez– con Ernesto García Sáinz, hijo de mi admirado “Chango” García Cabral. Un tipazo, con anécdotas pa’ aventar pa’arriba. Además de la trepidante conversación, se plantaron las semillas para un futuro proyecto... que luego les platicaré.
En estos tiempos en que los falaces noticieros contaminan las ondas y las pantallas con noticias depresivas y banales, pienso que es importante registrar también cosas positivas, creativas, y –porqué no– logros personales y profesionales, en la modesta escala que un blog nos permite. Gracias a todos por darse una vuelta.

Camel Arte o la joroba de Magritte

Tue, 21 Jul 2009 22:11:27 -0500

Aprovechando esta racha de posts, y en el entendido de que “lo prometido es deuda”, les muestro aquí este intenso proyecto que estuve trabajando a caballo entre 2008 y 2009, y que ahora está en perfecto timing para dejarse reseñar.
Se trata de una nueva serie de colección de Camel, ahora dedicada a los grandes pintores.
Incluso es posible que se hayan topado ya con alguno de estos artes, que aparecieron en forma de cajetillas especiales en muchos locales y estanquillos durante abril, mayo y junio, si mal no calculo.
Este proyecto –como ya es costumbre– se realizó a paso relámpago junto con la agencia Lowe, con quienes cumplo ya una década de laboriosa y fecunda colaboración. De hecho, pueden ver otros de mis proyectos camelianos aquí y acá.
Me tocó batallar para esta serie con siete monstruos de la pintura: Botticelli, El Greco, Toulousse-Lautrec, Van Gogh, Miró y Pollock. De éstos, confieso que mis favoritos personales son Botticelli y Magritte.
El reto –lo adivinaron– fue destacar el estilo y la técnica de cada pintor, manteniendo el nivel de calidad de las obras y sin caer en la copia obvia de cuadros arquetípicos.
Para conseguir este objetivo trabajé con técnicas tradicionales y digitales: grafito y esfumino, tinta china y acuarela, óleo alla prima... y grandes dosis de Photoshop, pero aplicado de una manera sutil que no deja ver nada electrónico.
Además de los aspectos de estilo y técnica, se creó cada ilustración de manera que se una a través de todas las caras del empaque, dando una ilusión de continuidad, como podemos ver en este pack desplegado. El trabajo incluyó también algunos elementos “escenográficos” como pinceles, paletas, notas, lienzos, plumillas y tubos de pintura, que añaden cierta atmósfera sugestiva de cada artista en las caras laterales y trasera, donde se reservó un espacio para textos alusivos y legales.
Abajo muestro algunas de las cajetillas de la colección, así como dos detalles de artes previos de Pollock (tinta aguada aplicada con un punzón de madera) y Magritte (grafito y esfumino sobre papel vegetal) que sirvieron como base para los artes finales.
Ojalá les guste. Nos encontraremos pronto en alguna cantina... o en el post que viene.

Capital natural de México

Tue, 14 Jul 2009 22:52:06 -0500

A veces uno tiene que decidir entre chambear y postear –o entre postear y dormir– y sucede que las cotidianas batallas apenas dejan tiempo para cultivar un blog como Dios manda. Pero por otro lado, mientras haya actividad y las ruedas sigan girando –como decía Lennon– se crea más material para compartir.
Así que éste será el primero de varios posts dedicados a registrar varios proyectos que he realizado en pasados meses y que no había tenido el chance de desplegar en este espacio.
Hoy se trata de las portadas de una serie de libros para la Comisión Nacional de la Biodiversidad, CONABIO, que he venido realizando desde enero de este año, junto como mis colegas José Luis Acosta y Sergio Bourguet, y bajo la dirección de la agencia editorial Redacta, capitaneada por Antonio Bolívar, editor legendario.
La técnica aquí es “semifotográfica” con elementos vectoriales y mucho trabajo en Photoshop, y un poquito de dibujo a mano alzada.
Se trabajó con temas de la fauna, flora y recursos humanos de nuestro país. Isaías Loaiza, por cierto, colaboró con gran parte de las imágenes base.
Un buen proyecto ecológico-editorial en tres volúmenes más una Síntesis, que los combina visual, conceptual y geográficamente.
Más proyectos pronto. Por ahora: ai nos vidrios.

Penitencia caligráfica

Fri, 10 Jul 2009 20:33:29 -0500

Ya ven: por andar dibujando tantos diablos, demonios, musas paganas, cortesanas cósmicas y sierpes malévolas, Diosito –que todo lo vé– me mandó una merecida penitencia en forma de chamba medieval.
Chamba que tuvo algo de tormento, me cae. La onda es que nunca había estado más cerca de la vida monástica (en esta vida) que en los últimos días en que estuve –cual monje en su celda– pegado al pergamino, a la pluma de guajolote, al oro en hoja y a mi scriptorium, como buen fraile iluminador de las Edades Oscuras.
(Y además, se fué la luz.)
Se trata de dos folios en pergamino, realizados en el estilo de Livre d’heures para un benefactor de la Universidad La Salle.
Por una feliz coincidencia –o un karma siniestro– la Rectoría de la ULSA tuvo a bien contactarme (a través de mi carnal Leonardo Vázquez), sin saber que yo fuí alumno lasallista, de hecho, hace muuuuuuchos años. (Es mi pasado escolástico y sacro que me persigue, ni modo.)
El chiste es que tuve que ejecutar el trabajo en tiempo récord: 48 horas.
Hay que señalar que todo es original. Esto quiere decir que cada marco, cada voluta, cada fleurón, cada ornamento se dibujó especialmente. En estos tiempos en que todo se saca de tramposos cliparts o de scans de libros de la Dover o la Pepin Press, me enorgullece decir que todo aquí es único –como Dios manda– con excepción del escudo de La Salle, que sólo retoqué un poco. A las pruebas me remito: abajo se pueden ver los bocetos.
Para el Cristo me inspiré en el Pantokrátor de los bizantinos, pero con un giro un poquito más moderrrno, si cabe. La letra –yeah!– es gótica requetegótica, como Dios manda y como a mí diablos me gusta... ¡Amén!

Diván de Oriente y Occidente | West-östlicher Divan

Fri, 26 Jun 2009 02:31:31 -0500

The resolute Suleika, protagonist of this divan-book, presents with mystic poise the work of Goethe, the cosmic German, to be published in a Spanish/German version by the editors of Nihil Nec Nemo. I declare myself guilty of this cover illustration, a succulent commission from this invisible, select publishing house located somewhere in East Prussia (accessible only through cyberspace, from where I was apparently contacted).
This happens to be a poetry book, released by Johann Wolfgang back in 1819. I couldn’t help but give it a ‘Space Opera’ twist, not quite unsuitable for a text where Goethe explores the mutual fascination between Christianity and Islam, Germany and Turkey, Persia and Greece, the East and the West. Why not add to the mix also the charms of Egypt, the Sufi oriflamme and the Tibetan third eye, together with French furniture and experimental zoology, in the shape of a wise, four-eyed cat?
The point is that I liked the result very much. I worked over Japanese rice paper to achieve the look and feel of a stone-lithograph print. Color was then applied within a limited range. Line, modulated and expressive, was kept to the essential minimum. The cover and some details can be seen above. The final master line drawing, later to be digitally coloured, is shown at the bottom.
This is a sort of personal tribute to the Middle East and Persia, which exerts on me a powerful sense of mystery and rare beauty.

La gloria del cromo

Thu, 14 May 2009 23:38:25 -0500

Este es un post visual: imágenes de mi colección de fotos de autos, que he tomado por aquí y por allá.
Lo confieso, soy fan de los carros, los antiguos y los modernos, aunque los que aquí aparecen son “clásicos”: puros modelos que salieron entre 1925 y 1975. Cincuenta años de gloria sobre el asfalto. Entre ellos figuran el musculoso Mustang 1967 de Lee Iacocca, el incomprendido Ford Edsel de 1959, el inaudito Cadillac de Ville de 1958, el curioso Citröen “pescadito” de 1964, el fastuoso Mercedes de dos plazas de 1952, además de Bentleys, Studebakers, Peugeots, Dodges, Packards, Alfa Romeos, VWs y hasta un silencioso Rolls Royce...
Además de los coches en sí, la fascinación está en los detalles, cuando todo era de acero y cromo. Me rayan en particular los ornamentos, la heráldica y la tipografía, auténticas obras maestras de la estilización y el lettering. Lo que nuestros ultramodernos autos han ganado en comodidad y eficiencia lo han perdido en fantasía y en mero debraye.
¿Mis favoritos? Quizá los modelos americanos que salieron entre 1957 y 1962, los coches “atómicos” con alitas cromadas, llantas de dos colores, emblemas aerodinámicos y diez metros de largo.
Ahí les van las máquinas, para que se deleiten la pupila...

Un poco de nostalgia

Wed, 1 Apr 2009 21:56:14 -0600

Pa’ qué digo que no si sí: he andado hasta las chanclas de chamba y pendientes. Mientras tanto, varias cosas interesantes pasaron que la prisa, las distracciones y la simple falta de tiempo me han impedido registrar en su momento y que ahora posteo con un “dejo” de nostalgia.
El hecho es que 2008 fue un año excepcional, y 2009 –so far– no pinta nada mal, pese a los tenebrosos mercaderes del caos que intentan vendernos a fuerza una crisis (y cara, además). La verdad es que a pesar de los noticieros, muchas cosas BUENAS siguen ocurriendo, y el diseño no es la excepción. No todo son tipos de cambio, índices bursátiles o políticos corruptos, y la mejor estrategia contra la crisis es seguir produciendo, chambeando, dándole nomás. No parar. Y que siga la mata dando. Así que vámonos con unas reseñitas, en orden de aparición:
Bienal de Diseño de Madrid: Tuve la fortuna de que mi trabajo –¡cartel!– fuera seleccionado para representar a México en esta enorme exposición de diseño iberoamericano, junto con trabajos de Germán Montalvo, Luis Almeida, Alejandro Magallanes, Ideograma y otros diseñadores gráficos, industriales, de moda e interiores. La imagen es del nuevo centro Matadero, donde la exposición sigue activa desde noviembre (foto cortesía de Sumika Matsumoto).
La revista de cultura alternativa Picnic tuvo a bien publicar mi trabajo en su número de “Vanguardistas” de finales de 2008. Lo pueden consultar en línea en su página.
La firma de ropa deportiva holandesa Copa Football sacó una ‘designer t-shirt’ con mi ilustración del dios azteca del futbol “Futboltécatl-Pamboltéotl”. Acá aparece modelada por Valerio Zeno, que me dicen que es un conductor muy conocido allá en Netherlandia.
La chida revista Étapes de Francia/España publicó un artículo de portada sobre diseño mexicano, donde sacaron un par de mis ilustraciones junto al texto de Jhoana Mora.
La revista española Visual se atrevió a publicar una entrevista –muy divertida, por cierto– que me hizo Pablo Cosgaya, de Argentina. “Letras de otro mundo” se llama, ahí nomás.
La fuente Presidencia, que diseñé para la idem de México, aparece en el Anuario Typography 29 del Type Directors Club de New York, salidito del horno a principios de este año.
El diario Reforma, en su sección Primera Fila, tuvo la curiosa idea de realizar una “invitación” del las “bodas de plata” del Festival del Centro Histórico con la Ciudad de México. Yo soy el culpable de la caligrafía, aparecida en marzo.
En el Premio a!diseño, celebrado a fines del año pasado y cuyos resultados se publicaron este mes en el último número de a! tuve la suerte de figurar entre los ganadores en varias categorías, como tipografía (fuente Presidencia), logotipo (ambigrama para Tipos Latinos) e ilustración (portada para Corazón de tinta, campañas de Camel).
Los editories de la revista Tiypo me invitaron a colaborar con una tipo-ilustración para su número 12, lanzado este mes de marzo. Mi “complejidad” quedó al lado de la bonhomía de mi compadre Jordán.
Finalmente, después de meses de espera, salió en febrero la secuela Sangre de Tinta, que junto con Corazón de Tinta comenté en este blog. Dos librotes de rechupete que no había tenido el chance de mostrar ya impresos.
Me cae que no tengo nada en contra de los pixeles ni la interné, pero la verdá es que todavía tengo nostalgia del papel. Ver publicado algo en un libro o revista... pos se siente retebonito, y más si es ambos lados del charco.
Ahora sí prometo postear más seguido. Pronto, más material. Por ahora, abur!

Técnica: tortilla sobre comal

Thu, 19 Mar 2009 22:12:54 -0600

Recientemente concluí este proyecto de ilustraciones para Maseca, en conjunto con Publicis. Quizá algunos de ustedes ya habrán visto algunos billboards o hasta anuncios de TV que forman parte de la campaña. El chiste fue realizar los personajes como si fueran grabados con el comal, cuando la superficie de la tortilla se quema al tocarlo. La ejecución combinó lo tradicional y lo digital: dibujo realista a la antigüita y mucho, mucho trabajo de retoque de textura sobre una tortilla “perfecta” proporcionada por el cliente, (que algo sabrá de tortillas). Un proyecto para ir abriendo el apetito, en lo que viene otro post...

Corazón de Chiapas

Thu, 26 Feb 2009 19:49:32 -0600

Después de tirar al Norte el mes pasado, la caprichosa brújula de mi suerte apuntó ahora al Sur, directo al corazón de Chiapas. Los responsables de este giro de 180 grados se hacen llamar Sacalepunta, un puntiagudo y amistoso colectivo de diseñadores, lidereados por Aleks Dinamo, que me invitaron a dar un taller de tipo-ilustración y una conferencia en Tuxtla Gutiérrez.
Y esta vez, además, me acompañó Mr. Kone, electrizante alter ego de César Evangelista Bautista, ilustrador-monero-editorialista-sobreviviente-de-mil-batallas, y uno de los personajes más activos de la escena nacional del diseño.
El evento se llamó, adecuadamente, Lucha por el Diseño, y es el segundo de una serie que esperemos sea larga y creciente. (En el primero estuvieron los cuates Benito Cabañas y Eduardo Espinosa.)
Pero más que la usual dupla de taller/conferencia de pisa y corre, el viaje resultó redondo, porque los organizadores tuvieron a bien llevarnos a San Cristóbal de las Casas y el Sumidero, que están relativamente cercanos a Tuxtla. Además, entre traslado y traslado, y entonado con poderosos cafés, cervezas abundantes y autóctonas jícaras con pozol (bebida local de maíz) disfruté algunas de las más fogosas, reveladoras y entretenidas conversaciones con colegas que he tenido en mucho tiempo.
Particularmente interesante fue reencontrarme con Mr, Kone, con quien compartimos –hace ya muchos años, y en otro siglo– lápices, mouses y chambas, ya que César formó parte de mi equipo de Kimera en aquellas épocas ante-diluvianas cuando ni soñaba en convertirme en ilustrador, y él fue una de mis primeras referencias en este intrincado oficio.
¿Qué más puedo decir?A riesgo de sonar cursi, que fue un evento de corazón. Como sangre negra, parte de mi tinta se quedará en Chiapas.
• • •
Fotos:
Un inesperado corazón de veladoras en la iglesia de Santo Domingo, en San Cristóbal de las Casas.
Con el mismísimo Mr. Kone en Sancris.
El impresionante cañon del Sumidero.
Con los Sacalepunta: Pacheco, Mr. Kone, Miss Taro Bones, un colado, Paolita, el gran Aleks Dinamo y la sensei Karla.
Alucinante y psicodélica portada de Santo Domingo.
Con mis talleristas en el jardín del Centro Cultural Jaime Sabines.
Unos santos que daban meyo, mucho meyo en la catedral de San Cristóbal.
Fabulosas volutas barrocas doradas talladas por los indígenas.
Con Mr. Dínamo
Un tesoro: garabato hecho en Xalapa por el legendario Shikeo Fukuda, unos cuantos meses antes de su muerte en Japón.
Barroco psicodélico en la catedral de San Cristóbal de las Casas.

Niuyór niuyór

Mon, 26 Jan 2009 13:24:18 -0600

Hace unos días regresé de Niuyor, en los Estates. Hacía frío, mucho frío, pero no lo suficiente para congelar la emoción de viajar a la urbe de hierro, esta vez para ser jurado –¡ay nanita!– del concurso #55 del Taip Directors Club de Niuyor.
Este concurso se celebra año con año, y los trabajos ganadores se publican en los conocidos anuarios Typography, que van ya en su edición 29.
Durante la última década he enviado casi cada año trabajos a este prestigiado certamen y he tenido la suerte de sacar premio en cinco ocasiones, la última en 2008 con la fuente Presidencia, como comenté en su momento en este blog.
No sé realmente cómo estuvo, pero el hecho es que el board del TDC decidió esta vez invitarme, junto con Jonathan Hoefler (H&FJ typefoundry), Ken Barber (House Industries) y Rich Kegler (P22), para ser jurado del evento –en la parte de Diseño de Letra– a su vez coordinado por la erudita en tipografía multilingüe Fiona Ross, de Inglaterra.
Casi ni hace falta decir que soy admirador de todos ellos, sobre todo de Hoefler y de House Industries, así que fue casi como el sueño de un “fans”: convivir en la misma mesa con algunos de los más insignes héroes tipográficos.
En paralelo, se llevó a cabo la otra parte –Diseño con Letra– con otros jurados chidos, entre los que se encontraban diversos diseñadores gringos y algunos extranjeros, como el extraordinario Alex Trochut (a quien tendremos en el evento Dejando Huella 12, próximamente en Querétaro).
El juicio –jejé– fue en el Fashion Institute of Technology, y estuvo peliagudo... no les cuento más, pueden ver los resultados acá, en cuanto los publiquen.
Además, la incansable Carol Wahler, enérgica y afable directora del TDC tuvo también el descaro de invitarme a dar una conferencia para miembros del club, que resultó ser el mismo día en que se estrelló el avión en el río Hudson, a unas cuantas cuadras de donde estábamos. Afortunadamente, ésto no afectó la asistencia a la plática, que fue bastante concurrida, hasta hubo vinito “de honor” con canapés y toda la cosa. De hecho, compartí palestra con Jeffrey Fisher, ilustrador australiano radicado en Francia, quien dió también una plática sobre su trabajo, realmente inspirador.
Aparte, tuve la oportunidad de conocer a algunos colegas de la férrea urbe, con los que compartí pan y vino en varias ocasiones, como Matteo Bologna, de Mucca Design, quien nos presentó a Jeffrey y a mí, y que es un tipo fenomenal, muy simpático y ocurrente.
A estas emociones se sumaron las no menos intensas de ver un Niuyor nevado y nevando, caminatas cómicas por el Central Park (a la Woody Allen), comida mutante, museos espectaculares (nunca me cansaré del Met) y el siempre alucinante y variado espectáculo de rondar al azar por las calles de este pueblito impresionante.
Is op tu yú, Niuyor, Niuyor... (tata-tárara)
* * * * *
Un epílogo: tuve la experiencia rara y surrealista de ver aplicada la identidad de Mexicana, que diseñé como parte del equipo de Design Success el año pasado. Resulta que volé por esta línea y ahora sí, vi mi logo hasta en la sopa, pasando por cucharas, almohadas, mostradores, alas y hasta hangares. ¡Órale!

Logo de Mexicana al vuelo

Tue, 23 Dec 2008 16:53:47 -0600

Antes de que se me acabe el año quiero mostrar en este espacio uno de los proyectos más importantes en los que trabajé este 2008, y que no había podido enseñar antes. Se trata del logotipo de Mexicana de Aviación. Probablemente se habrán enterado por diversos medios que el pasado 27 de noviembre Mexicana develó dos aviones en los que se presenta la nueva imagen de la empresa. Si no, quizá pudieron ver algunos anuncios donde se inauguraban nuevos vuelos internacionales, como éstos de YouTube. Se trata de uno de los diseños de identidad más representativos de los últimos tiempos en nuestro país, aplicada a una de las línea aéreas más antiguas y pioneras del mundo.
Diseñar la nueva imagen fue un proyecto colectivo, que en estos momentos continúa implementándose. Por lo pronto, pueden ver las nuevas páginas de Mexicana y MexicanaGo, ya con la nueva identidad, además de algunos aviones y otras aplicaciones. El despliegue completo de la nueva imagen se dará en varias etapas durante 2009, e incluirá aeronaves, uniformes, interiores y exteriores de centros de operación, y un sinnúmero de aplicaciones corporativas, editoriales e industriales.
A continuación cito una parte del comunicado de la empresa que se leyó durante la presentación oficial de Mexicana:
[...] El carácter visual del identificador logra conjugar la solidez y confianza de una marca icónica, con una nueva propuesta de valor: cercana y vanguardista. El logotipo emplea letras libres, altas y bajas que expresan la calidez y flexibilidad de una compañía orientada al servicio.
En el icono se retoma el símbolo del águila que representa su esencia, enfatizando esa fuerza, vanguardia y visión que la han mantenido como compañía líder. El icono y la tipografía se complementan para dibujar visualmente la estabilidad, constancia y solidez que respalda los cerca de 90 años de experiencia de Mexicana. Las letras retoman nuestras raíces y proyectan el orgullo de Mexicana por llevar el nombre de México a todo el mundo.
La transformación de la imagen incluye los exteriores e interiores de los equipos, centros de operación y cualquier aplicación gráfica de la marca dirigida tanto a públicos internos como externos. Aunado a la transformación de la imagen gráfica de Mexicana, la aerolínea ha venido desarrollando un proceso de mejora en sus productos y servicios, en beneficio de los pasajeros. [...]
Independientemente del discurso simplificado y mercadotécnico de esta presentación, les comento que, en efecto, este rediseño fue el fruto de una investigación amplia de las necesidades de la empresa, estadísticas de uso y opinión, percepción de marca, color y muchos otros parámetros, que llevaron a la conclusión de que se debía desarrollar una identidad completamente nueva, manteniendo únicamente el ícono del águila y el esquema básico de color.
El logotipo fue hecho en base a un diseño de tipografía totalmente original que realicé en estilo unicase, integrando formas minúsculas y mayúsculas sans-serif en un esquema orgánico y contemporáneo, casi minimalista, pero no sin un toque mexicano que se denota en las curvas anguladas de la “a” y el rasgo puntero de la “x”. Este diseño de marca complementa el nuevo ícono-emblema del águila, perfilado y sintetizado en un lenguaje geométrico de fuerte dinamismo y simplicidad. El esquema de color es muy claro: dos azules opuestos en saturación y matiz, que permiten el manejo de la imagen en positivo y negativo, auxiliados por el blanco de la tipografía y del formato. La construcción de cada elemento de la imagen está justificado dentro de proporciones matemáticas clásicas y concisas, y adaptado a las características topológicas y angulares de las aeronaves y otras aplicaciones aéreas.
A continuación se muestran retículas constructivas y uno de mis numerosos bocetos previos a lápiz:
Este programa de diseño fue llevado a cabo por la firma internacional Design Success, de origen danés y con sedes en Copenhague, la Ciudad de México y otros puntos de Europa y las Américas. Tuve el honor de formar parte del equipo como asesor en imagen y diseñador tipográfico.
La historia de este proyecto tiene un sinfín de detalles, pero a grandes rasgos diré que en el equipo de trabajo se encontraban diseñadores mexicanos, suecos, daneses y de otras nacionalidades. Después de un arduo proceso de selección, tuve la suerte y el enorme gusto de que la propuesta de ícono y tipografía que yo desarrollé fuera la elegida como definitiva. No llegué a este resultado solo, sino en conjunto con la dirección entusiasta de Kim Norland, la coordinación operativa de Héctor Trejo y Alejandro Berea, las observaciones atinadas de Eduardo Nieto (profesor mío de la universidad, hace ya algunos años) y de Luis Miguel Aguilar (diseñador corporativo), así como el apoyo, crítica y enriquecimiento de un equipo multidisciplinario e internacional de diseñadores y otros profesionales cuya lista es muy larga para citar en este espacio reducido, pero a quienes agradezco la experiencia de haber trabajado en este proyecto a lo largo de varias semanas. Particularmente quisiera agradecer a Kim Norland su feedback puntual, su liderazgo alegre y enérgico, y la oportunidad inigualable de colaborar en este equipo.
Quedamos a la expectativa de los próximos desarrollos de este proyecto. Por lo pronto, espero que esta entrada les haya sido interesante y aprovecho para desearles a todos lo mejor en estas fiestas. Nos seguiremos viendo por aquí en breve. Ahora me tengo que ir volando. ¡Salud!

Book XXIII

Tue, 16 Dec 2008 19:27:18 -0600

Hay trabajos que son para uno. No clientes, no deadlines, nada de presiones, sólo el placer inigualable de arrastrar el lápiz por la hoja. Todo diseñador (creo) necesita un respiro. O más bien, una válvula, una llave maestra para dejar salir esas extrañas creaturas que se empollan en los recovecos del alma...
¡Chále! Ora sí me puse profundo. Bueno, el chiste era mostrar la portada de mi último libro de bocetos, el XXIII.
Para empezar, diré que iniciar una bitácora –de ahí el nombre de este blog– es siempre una especie de ritual personal.
Allá por 1991 empecé a a bocetar ordenadamente en libros especialmente encuadernados para ese fin. La idea era guardar un registro de ideas, de sueños, de alucines en estado puro, y evitar las hojas sueltas que se me perdían siempre. Mi primer libro de bocetos fue un tanto rústico, pero a partir del II desarrollé la costumbre de hacerle una portada. Esta portada siempre fue un pretexto para sacar mi “mitología personal”, y tiene al menos tres protagonistas: la tipografía (siempre un diseño nuevo y especial), un instrumento del oficio, y una “musa” mutante, que personifica la inspiración, el acto creativo. Siempre me han gustado los frontispicios barrocos y medievales, donde Venus, Atalanta o Psiquis presentan con desparpajo y donaire –y casi siempre en cueros–un tratado de música o de alquimia. Esta es mi versión personal, por decirlo así, de los frontispicios antiguos, actualizados y adaptados a mis tiempos.
Cada portada, además, tiene un tema oculto, insinuado por símbolos que aparentan ser ilustraciones. Las frases y las acciones no son casuales, así como la ornamentación.
Esta portada, por cierto, es un homenaje al Rococó. Lo demás puede verlo quien tenga ojos y quiera ver.

El Libro Salvaje, por Juan Villoro (y un colado)

Thu, 20 Nov 2008 12:09:51 -0600

Hace un año, más o menos, dio inicio un largo periplo que hoy llega a este bonito resultado. Resulta que los editores del Fondo de Cultura Económica, después de mi participación en la exposición la DIFerencia en la Mirada, corrieron el albur –sin albur– de contactarme para un proyecto jugosito: ilustrar un libro completo.
Ni tengo que decir que desde hace años tenía ganas de realizar un proyecto así, de ilustración editorial. Adoro los libros y las letras, pero el trabajo del diseñador no siempre nos lleva por esos rumbos, y uno acaba dándole prioridad a proyectos que pagan la renta, aunque no sean tan sabrosos ni tan líricos.
Además, me siento honrado de que mi debut en estos menesteres sea nada menos que con una de las figuras más dinámicas de nuestra literatura mexicana actual: Juan Villoro.
Autor de El disparo de Argón (novela), Los Culpables (cuento), y los dos volúmenes del Profesor Zíper (narrativa infantil), entre otros libros, Juan Villoro estrena ahora esta historia destinada al público juvenil/infantil.
Sin adelantar nada de la trama, podríamos decir que la narración trata de las aventuras a las que nos llevan los libros, y las vertiginosas travesías a la que nos pueden transportar las letras, sobre todo cuando somos jóvenes y empezamos a reunir las piezas del rompecabezas de la vida, alentados por personajes estrambóticos, chicas de dientes impredecibles, gatos que rondan por todas partes y libros, libros y más libros, que más que colecciones de páginas y tapas son seres vivientes auténticos, a veces más vivos que muchas personas que deambulan por el mundo...
Ilustrar El Libro Salvaje fue un reto. Usé técnicas tradicionales y digitales, pero el efecto es cálido y manual. Me gustó mucho el resultado.
Aprovecho para invitarlos a la presentación del libro, que se llevará a cabo en el Aula Magna del Centro Nacional de las Artes, a las 4 PM éste domingo 23 de noviembre, en el marco de la XXVIII Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil. Habrá una firma de ilustraciones a las 5 PM. Ojalá puedan asistir.
+ + + +
The Wild Book, by Juan Villoro
(and some other guy)
About a year ago, a long tour –and detour– started, and today we reach at this nice result. It happens that the editors at Fondo de Cultura Económica, after my participation in the exhibit La DIFerencia en la Mirada, invited me to collaborate in a interesting, juicy project: to illustrate a whole book.
For many years I had a longing to do a project like this. I’m a fierce lover of books and letters, but the Graphic Designers’ job not always lead to this kind of work, and tends to focus on more practical, un-lyrical, rent-paying projects. Besides, I am glad that my début in these tasks is, nothing less, with one of Mexico’s most dynamic writers of today: Juan Villoro.
The plot is about, well, Literature, but also about mysterious, ubiquitous cats, far-out-characters, unpredictably-toothed girls, poetry-inspired food and many, many books, which happen to be more alive than a lot of walking people!
To illustrate this narrative was a challenge. I used traditional and digital techniques, but the final effect is rather warm, handcrafted, organic. I’m very happy with the result.
The Wild Book will be presented at the Main Hall of the National Center for the Arts, (Mexico City) this Sunday, November 23rd at 4PM, at the XXVIII Children and Young Readers’ Book Fair. There will be an illustration signing at 5PM. I’ll be glad to see you all there!

Artes Halloween/Día de Muertos (edición limitada)

Tue, 28 Oct 2008 11:21:26 -0600

Un anuncio: Con motivo de Halloween/Día de Muertos, sacaré dos artes en edición limitada, impresos en Fine Art Paper «Enhanced Velvet» de 225 gramos, para los ‘coleccionistas’ y los amantes de las artes oscuras. Las obras en cuestión son Lucibel y Death & the Maiden, originales e inéditas hasta ahora. Arriba se pueden ver detalles y los artes completos más abajo. Los formatos son de 75 x 53 cm y de 70 x 60 cm (aprox.) respectivamente. Toda la edición está numerada y firmada individualmente en caligrafía por el autor.
Estarán en venta por email y en KONG, disponibles a partir del 14 de noviembre. Si estás interesado envía un mail con tu nombre y datos a gabriel@kimera.com.mx

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An ad:
As a celebration of Halloween/Day or the Dead, I am issuing a limited, artist’s edition of two artworks, for ‘collectors’ and lovers of the Dark Arts: Lucibel and The Death & the Maiden, both original and unissued so far, printed in Fine Art Paper «Enhanced Velvet», 225 gr. The format is 75 x 53 cm and 70 x 60 cm respectively. The prints are individually signed in calligraphy by the author.
They will be for sale in KONG gallery and shop and via email, by November 12th onwards. If you are interested please send an email with your name and contact info to gabriel@kimera.com.mx

El síndrome de la Malinche

Sat, 27 Sep 2008 20:36:04 -0500

Hoy, día de la consumación de la Independencia (y antes de que se acabe el mes patrio), me puse a buscar un tema para escribir en estas fechas. Lo encontré... y qué tema.
Pero primero, unas anécdotas para abrir boca:

Anécdota 1: otoño de 2004
En un evento de diseño, de ésos que se publicitan a nivel nacional, fui invitado a dar un taller, con otros ponentes mexicanos y extranjeros. Las ponencias terminaron un sábado en la noche, y el domingo tempranito nos topamos en el lobby del hotel a tres conferencistas de fuera que habíamos conocido: un alemán, productor y diseñador de amplia trayectoria; su esposa, ilustradora; y un inglés, tipógrafo master de gigantesco currículum. Para evitar nombres incómodos, digamos que la pareja se llamaba Hansel y Gretel y el tipógrafo Baskerville. Conmigo estaban Aldo y Escobeta (los nombres también son postizos), diseñadores nacionales de primera línea, que también dieron un taller cada uno. Nos fuimos todos juntos a desayunar. Al terminar, nos dimos cuenta que ya se nos habían acabado los vales de comidas que los organizadores nos habían dado al principio del evento, y Aldo se fué a buscar al organizador en jefe.
Al solicitarle los vales para el desayuno, el fulano en cuestión rió con sorna y preguntó:
—¿Sabes cuándo acabó el evento?
Aldo dijo:
—Ayer sábado.
—¿Y qué día es hoy?
—Domingo.
—Pues entonces págate tú tu desayuno, porque el evento ya terminó y no les tengo que cubrir nada más.
—Entonces, ¿les digo a Hansel, a Gretel y a Baskerville que paguen su desayuno también?
—Mmmm... aghhhhh, ahí voy.
El organizador en jefe fue al restorán del hotel, y de mala gana liquidó el consumo de todos. Por supuesto que a los alemanes y al inglés les ofreció un sonriente “lo que se les ofrezca”, pero a los mexicanitos no estaba a dispuesto a pagarnos ni un refresco más. Sólo porque se nos ocurrió desayunar con los importados nos tocó de refilón su “generosidad”.
Luego nos enteramos que a los ponentes extranjeros –y sólo a los extranjeros– se les había organizado un tour por cierta ciudad colonial y una cena de gala, donde los nacionales no fuimos requeridos.

Anécdota 2: verano de 2008
Una “prestigiosa” universidad privada convocó un seminario de historietistas y comiqueros. Entre los invitados estaban A, grandísimo monero chilango; B, comiquero mexicano estrella que dibuja a un famosísimo superhéroe clásico (trabajando para grandes compañías estadounidenses desde su estudio en el Estado de México); y X y Z, historietistas underground del gabacho. Sin demeritar a los gringos, la neta es que A y B han publicado muchísimo más que X y Y, y no nada más en México, sino en Francia, Canadá y Estados Unidos. Simplemente no había comparación, en lo que a currículum se refiere.
A los mexicanos no se les pagó por su participación. Se les dijo que era un evento estudiantil sin fines de lucro. Ellos amablemente accedieron. No se sabe si los gringos cobraron su participación, pero la escuela les cubrió todos sus gastos.
Al concluir un día de conferencias, los organizadores los llevaron a comer a cierto lugar en un centro comercial lujosón, cerca de la mentada universidad. Al terminar la comida pagaron, por supuesto, todo el consumo de los gringos. En cambio a los mexicanos A y B se les pidió al final que apoquinaran para su comida y bebida, arguyendo que “no les alcanzaba el dinero” para todos.

Anécdota 3: primavera de 2007
Me invitaron a impartir un taller y una conferencia en un evento “sin fines de lucro” en cierta ciudad de provincia. Según recuerdo, me ofrecieron alrededor de 5,000 pesos por una conferencia de hora y media y un taller de 16 horas con 35 a 40 asistentes.
Aunque me llaman con cierta frecuencia para dar pláticas y workshops, mi trabajo principal se centra en mi estudio y mis clientes. Sin embargo, no me venía mal pasar dos o tres días fuera del DF, así que les dije, en principio, que aceptaba. Más tarde, al entrar a la web del evento, me enteré que estaban cobrando 3,500 pesos a cada asistente al taller. Si hacemos las cuentas, se ve claramente que me tocaría ¡menos del 5% de la utilidad del taller!, y ni hablar de la conferencia, que tenía un costo extra para los concurrentes. El evento, por demás, hacía gala de patrocinadores de “alto nivel”: marcas de software, compañías de papel, imprentas, hoteles de cinco estrellas, en fin...
Unos días después, me hablaron para firmar un contrato por los 5,000 pesos. Les dije lo que había visto en su sitio, y que me parecía una cantidad insuficiente por lo que les cobraban a los asistentes y que su evento, a todas luces, era un negocio mezquinamente ventajoso para ellos, y sin duda alguna con fines de lucro. Así que les propuse otra cifra, más justa. Me dijeron que “lo pensarían”, pero que en todo caso era imperativo firmar el contrato.
En su sitio web me enteré también de que habían invitado a varios ponentes extranjeros, principalmente de EU y Canadá. El mundo del diseño es “un pañuelo”, así que escribí unos cuantos emails a amigos extranjeros para enterarme de cómo andaban las tarifas que iban a cobrar los ponentes de fuera en el evento en cuestión. Resulta que también andaban por los 5,000, pero DÓLARES. Eso quería decir que a los ponentes mexicanos nos estaban regateando y obligándonos a firmar contratos por menos de la décima parte de lo que pagarían a extranjeros...
No es que uno se las dé de Juan Camaney, pero los ponentes mexicanos invitados a este evento eran de excelente nivel, y tengo la fortuna de conocer el trabajo de varios de ellos. Los extranjeros, por el contario, no eran nada particularmente especial. Nada que desmereciera el trabajo de nuestros paisanos. Su principal encanto radicaba, precisamente, en que eran extranjeros, y que apellidos como Smith, Hucklebuckle o Shitson suenan “mejor” en un evento de “clase mundial”, como el que se preciaban de organizar estos mequetrefes.
Ya se imaginarán para qué les urgía que firmáramos el contrato. Para que si nos enterábamos de lo que cotizaron los extranjeros no tuviéramos medios legales de reclamar, y de paso, financiar con nuestros talleres los honorarios exorbitantes y pasajes business class que pedían algunos de los conferencistas importados. Cuando les comenté ésto a uno de los organizadoras –una muchacha joven, pesada y estúpida– me dijo sin la menor vergüenza que sí, en efecto, tener a ponentes extranjeros era para ellos una garantía de asistencia al congreso, aunque les cobraran mucho más, y que de hecho les había funcionado, pues los lugares de los talleres ya estaban casi llenos... Por supuesto que los mandé en primera clase a la chingada. Sin escalas.

Lo que hicieron no tiene nombre, ¿o sí? MALINCHISMO. Tal cual, con mayúsculas.
Todo un tema.
Cuando era estudiante oía esta palabra, pero creía que hasta cierto punto era un mito ya superado.
No lo es. Permea continuamente el medio profesional, aún en este “globalizado” siglo XXI. Y funciona en dos sentidos: cuando se piensa que un extranjero es automáticamente superior a los mexicanos, y cuando los mexicanos nos ponemos por debajo de un extranjero automáticamente.
Lo vemos en lugares como Cancún, donde menús en inglés y precios en dólares nos hacen sentirnos como aliens en nuestro propio país. Lo vemos en grandes agencias de diseño y publicidad, donde desplazan gente nacional perfectamente capaz por directores de arte rioplatenses, gachupines o gringos ojiclaros porque ‘les venden más’ que un chilanguito abusado de rostro moreno (mis amigos argentinos y españoles no me dejarán mentir, ellos lo entienden y no tomarán a mal lo que digo). Lo vemos en el medio editorial, donde académicos hispánicos supuestamente más cultos nos imponen normas absurdas en el uso de un idioma que también es nuestro (y que ellos con frecuencia no hablan tan correctamente como creen). Lo vemos en restaurantes y bares, donde le dan la mejor mesa y el mejor servicio al gabacho corriente que llega en chanclas y bermudas. Lo vemos en revistas y agencias, que pagan fortunas al fotógrafo o al estilista mediocre de Londres o Nueva York y le regatean el precio al profesional de primera de Monterrey o del DF. Lo vemos en publicaciones que pagan regalías altísimas por bancos de imágenes gringos y pagan miserias –sí, miserias– a ilustradores mexicanos por una viñeta original, y sin contrato de derechos de autor, además. Lo vemos en los anuncios ésos de “todo México es territorio Telcel” en los que los ‘mexicanos’ que ahí salen son puros modelitos argentinos (que han invadido México, por cierto) y gente que podría ser noruega, catalana, canadiense o neozelandeza, pero no mexicanos “feítos” de Naucalpan, Tlaquepaque o Topolobampo. Vayan a cualquier centro Telcel y echénle un ojo a la decoración, si no me creen.
Por supuesto que algunos extranjeros se aprovechan de esto. Hace unos años estuve en cierta conferencia de una “eminencia” suiza del diseño de letra. Sin el menor decoro, exhibió varias fuentes mexicanas, criticándolas por su “exceso” de nacionalismo, comparándolas desfavorablemente con las tipografías suizas, que no por ser suizas tenían que tener “hoyos de queso gruyère” o “manchas de vacas Holstein”, según decía burlándose. Sin profundizar ni tomarse la molestia de conocer algo de la arquitectura o escritura prehispánica de México, y armado con esa arrogancia y paternalismo que sólo los “primermundistas” demuestran, descartó de un plumazo nuestra incipiente labor tipográfica. ¿Y qué creen que hacían los maestros de la universidad que lo trajo desde el otro lado del charco, sentados en primera fila? Sonreírle, asentir y aplaudirle como borregos. Viene un extranjero a insultarnos y lo ovacionamos. El colmo. Fuí el único en reclamarle al final de la conferencia. Quedar bien con una ‘eminencia’ así me tiene sin cuidado, por no decir que me vale madres.
Esto me recuerda un congreso en Alemania donde tuve una discusión con un diseñador francés –famosillo, de esos que salen en los anuarios de diseño– que insistía tercamente en que México estaba en Sudamérica. Yo le decía que, en tal caso, Texas, California y Arizona también serían sudamericanas, ya que fueron parte de México por varios siglos. Para este franchute, Norteamérica era exclusivamente Canadá y Estados Unidos y le parecía “exagerado” que dijéramos que eramos parte de Norteamérica, sin tomarse siquiera la molestia de echarle un ojo al mapamundi. Así de ignorantotes se los encuentra uno, aunque vengan vestidos de Armani y se saquen premios de la AGI de debajo de la manga.
¿Acaso soy el único diseñador mexicano que se fija en ésto? La verdad es que he visto pocos lugares –revistas, blogs, foros– donde se hable del malinchismo en nuestro medio. Donde se denuncie una actitud que deberíamos combatir y dejar por las buenas, y que nada más nos lastima, nos envilece y no nos sirve para nada.
El mexicano es dulce, atrevido, vivaz, hospitalario e ingenioso. Pero ¡ay! también es acomplejado. Tenemos un estorboso complejo tercermundista que nos hace agacharnos ante cualquier acentito extranjero que oigamos por ahí y achicopalarnos ante cualquier público internacional, así sea de macacos. Por eso aceptamos que nos maltraten. Que nos vendan boletos al triple del precio que se pagaría por un concierto de rock en Londres o en Los Angeles. Que nos inunden de productos de segunda sólo porque llevan marcas en inglés. Que nos manden coches ya obsoletos en Francia o Alemania y nos los vendan como últimos modelos. Que restaurantes y tiendas tengan que tener nombres extranjeros para hacernos creer que son trendy y de calidad. Que en los antros ‘de moda’ aceptemos que cadeneros malencarados escojan a la güerita y al gabacho mamón y dejen chiflando en la loma a los compatriotas.
La verdad es que en todos lados se cuecen habas, y de las mejores. México no es la excepción. Algunos de los más insignes diseñadores, ilustradores y creadores del mundo han salido de esta tierra de nopales, enchiladas y pirámides, y no es menos honor trabajar para paleterías La Michoacana que para HägenDasz, el GuacDonalds o la marca XYZ de Timbuctú.
Les propongo un propósito para el Bicentenario: dejarnos de complejos y simplemente trabajar en ser mejores. Corregir lo que no nos guste y sentirnos orgullosos de lo que hacemos y de lo que somos. Tenemos dos buenos años para lograr desterrar los complejos inútiles.
Y por lo pronto, ¡que viva México, cabrones!

La sombra de Alicia o el Autor vs. el Ilustrador

Wed, 17 Sep 2008 17:48:53 -0500

Los ilustradores generalmente tenemos un punto de vista visual de nuestro trabajo. Tendemos a pensar que nuestros dibujos simplemente acompañan un texto; que pintamos con imágenes lo que el autor “pinta” con palabras.
La realidad es más compleja y más sutil. Y la razón es que las imágenes y el lenguaje son dos universos distintos, hasta cierto punto incompatibles entre sí. El lenguaje transcurre en el tiempo, como la música. La ilustración –como la pintura o la fotografía– congela un instante en un plano visual que percibimos de un solo golpe, y se desarrolla en el espacio, más que en el tiempo.
Divagando entre mis libros, me encontré con un pequeño artículo de Borges que reflexiona sobre este tema, a propósito de Alicia en el país de las maravillas del genial Lewis Carroll, y las famosas ilustraciones de Sir John Tenniel, ilustrador de la primera edición.
Cito a continuación el artículo completo:

El autor y sus ilustradores
Jorge Luis Borges*
«He releído muchas veces los libros de Alicia, y es probable que sepa algunos pasajes de memoria. Recuerdo que también me gustaban las ilustraciones de Tenniel, que son muy lindas. A Carroll no le gustaban, él hizo otras horribles: en la edición de Everyman** están esos dibujos de Carroll, que son una vergüenza. Los de Tenniel, en cambio, que están siempre acentuando una sugerida amenaza de los textos, son ya hoy parte inherente de la obra.
Quizá a Carroll le parecieran demasiado macizos, demasiado sólidos; sería muy raro que concordaran exactamente con lo que él se imaginaba, éso no sucede nunca. Recuerdo que a Henry James le propusieron hacer, y se hizo, una edición ilustrada de sus cuentos y novelas. Puso como condición que no se representara a ningún personaje, que fueran puramente alusivas.
Creo que el argumento era que, si él describía un personaje, tenía que hacerlo sucesivamente, porque el lenguaje es sucesivo. Si yo digo “un hombre alto, pálido, de barba negra”, desde que yo digo “alto” hay que empezar a imaginárselo y seguir el modo en que voy ofreciéndolo sucesivamente. La ilustración, en cambio, se ve de una vez y entonces resulta que todo el trabajo que me he tomado es inútil, porque mi texto sucesivo es usurpado por la ilustración. La edición finalmente se hizo, pero como James quería: con dibujos muy generales, que no chocaban con el texto ni lo repetían.»
+ + + +
Lo que Borges nos da es el punto de vista del autor, y porqué el ilustrador no puede limitarse a transcribir linealmente lo narrado a imágenes. Una buena ilustración comunica tanto por lo que muestra como por lo que sugiere. A veces, la mejor ilustración es la que menos dice, la que sólo da el guiño justo, la ojeada de rabillo exacta que nos hace centrar nuestra atención en el texto.
La ilustración, más que simplemente complementar, puede murmurar, comentar, insinuar, contrapuntear, distorsionar, ornamentar, criticar, complicar o incluso contradecir al texto. Me vienen a la mente las extraordinarias acuarelas de la pareja de ilustradores rusos Dugin, que han ilustrado cuentos clásicos como El sastrecillo valiente o Las plumas del dragón. Sus imágenes tienen elementos que en vano buscaríamos en la trama: extraños personajes que narran historias paralelas e incluso contrarias al texto original. Su multiplicidad de detalles, además, sería imposible de poner en palabras. La sensación de leer estos libros ilustrados es como estar en un sueño extraño y lúcido en el que nunca sabemos bien a bien cuál es la trama “verdadera”, si la de las imágenes o la del texto. Una sensación emocionante y casi cinematográfica, que multiplica el efecto de la historia. Como comenta Borges: “siempre acentuando una sugerida amenaza”.
Retomando las ilustraciones de Tenniel, he de decir que soy fan. Simplemente son clásicas. Es más: son arquetípicas. No sólo cuentan la historia de Alicia, sino que la narran de una manera oblicua y sarcástica, llena de claroscuros y misterios, que más que ilustrar directamente sostienen un continuo contrapunto con el texto de Carroll. Entre otras cosas, estas ilustraciones han contibuido a definir el arquetipo visual de “niña”, de “tomar té” o de “personajes de la baraja” de los dos últimos siglos, e influido en la manera en que concebimos las historias de fantasía psicológica, desde Walt Disney hasta Marilyn Manson (quien por cierto está preparando en estos momentos un filme sobre Carroll, con soundtrack y todo, llamado Phantasmagoria).
Es natural que a Carroll no le gustaran los dibujos de Tenniel: su libro fue inspirado por una Alicia de verdad, una niña real y muy lista llamada Alice Liddell, amiga del autor. Carroll, además de escritor, fue hábil matemático y un extraordinario fotógrafo que nos ha dejado insospechadas imágenes de ella, quien, por cierto no se parece nada a la Alicia de las ilustraciones de Tenniel, y mucho menos a la Alicia animada por Disney, de corte más psicodélico.
Como de las imágenes, también soy fan absoluto del texto. Enmascarado bajo el aspecto de una inocente fantasía infantil, Alicia en el país de las maravillas (y su continuación Alicia através del espejo) es un vertiginoso mosaico de juegos matemáticos, ingeniosísimos trucos del lenguaje, imaginación desbordante que raya en lo psicótico y terrorífico, y una narración llena de paradojas filosóficas sobre lo absurdo del universo y de la personalidad, contadas desde la perspectiva de un niña genial que nunca pierde la razón en un mundo de locos (como el nuestro). Muchas de estas sutilezas, por desgracia, se diluyen en la traducción: Alice in Wonderland es uno de esos libros que hay que leer en inglés.
Con respecto a Henry James, el otro escritor que menciona Borges, diremos que es el famoso autor de The Turn of the Screw (“Otra vuelta de tuerca”), intrincada noveleta de terror gótico y psicológico en la que se basó la clásica película “Posesión Satánica” (The Innocents, 1962) estelarizada por Deborah Kerr en glorioso blanco y negro.
Para concluir, unas palabras sobre la ilustración que acompaña este texto. Es una versión –ácida, irregular, alucinatoria– de Alicia que dibujé hace unos años, en un arranque de locura especular y lapicera. Carroll, allá en Inglaterra, tal vez se retorcería en su tumba... ¿o ustedes qué creen?

• Jorge Luis Borges, Textos recobrados, 1956-1986, Emecé Editores, Buenos Aires, 2007. Publicado originalmente en el diario Clarín, en un número especial dedicado a Lewis Carroll.
** Se refiere a la edición estadounidense de la Everyman’s Library, publicada a partir de 1906 por la casa Alfred A. Knopf de Nueva York.

Sangre de Tinta

Fri, 12 Sep 2008 09:37:31 -0500

Acá de regreso, después del post anterior, uno de los más concurridos en la historia de este blog –lo que me sorprendió para bien, porque es puro texto, y además largo– así que aprovecho para agradecer a todos sus comentarios y buena onda, y darle la bienvenida a los nuevos visitantes.
Pero en fin, a lo que te truje Chencha, este post se trata de una chamba que terminé hace unos días. Es la portada del segundo volumen de la ‘trilogía de tinta’ de Cornelia Funke, que empezó con Corazón de Tinta, portada que pueden ver acá, y que seguirá próximamente con Muerte de Tinta.
Sangre de Tinta, así se llama el mamotreto. Llegar al resultado final es a veces tortuoso, como las curvas de una serpiente. Justamente, pueden ver la primera versión aquí a la derecha. Resulta que hay un personaje, Adderhead (algo así como “cabeza de áspid”) que ejemplifiqué con la víbora que se enrosca en la ilustración. Esta versión gustó mucho a los editores, pero de algún modo quedaba la duda de si no valdría la pena representar un momento más sensible de la trama, en lugar de este “villano nauseabundo”.
A mí me encantaba la serpiente, le añade veneno y malignidad a la ilustración, pero finalmente se decidió destacar un ‘aro de fuego que termina en una flor ígnea’, que uno de los protagonistas lanza en cierta encrucijada clave de la historia.
El chiste es que hubo que rehacer parte del arte, ejecutado en grafito simulando un grabado antiguo. El trazo lo muestro a la derecha, y abajo, el boceto original maestro de la portada, en su primera versión serpentina y malévola.
Quedé contento con el resultado final. Fué un reto trabajar el fuego con puro axurado y contrastes.
Aprovecho para comentarles que Corazón de Tinta ya está en librerías. Ambos tomos serán presentados en breve en la FIL de Guadalajara, parece ser que por la mismísima autora...
(Por cierto, agradezco a Miriam, mi editora estrella, sus amables y radiales reseñas sobre mi trabajo en W-FM 96.9 y Reactor 105.7.)

El color

Tue, 19 Aug 2008 22:03:39 -0500

El color es una cosa extraña. Si no fuera porque lo experimentamos cada día, sería muy difícil describirlo. ¿Cómo hablar del naranja de una naranja, si no es comparándolo con otros naranjas que hemos visto? ¿Cómo escribir del tono café-verdoso indescriptible de los ojos de la novia adorada si no es comparándolo con las esmeraldas, con los brócolis o con el agua puerca?
El lenguaje es asombrosamente mudo con respecto a los colores, por no decir mentiroso: ¿Alguien ha visto un vino blanco realmente blanco? No, es amarillo, tan amarillo como la pipí de la mañana, pero nadie dice que la pipí es blanca. Las razas son otro caso: Yo no he visto un humano realmente negro, sino diversos grados de piel chocolate con más o menos leche. Pero negro, lo que se dice 100% Process Black, nunca lo he visto. Tampoco ningún blanco: ésa que llamamos “raza blanca” debería llamarse “raza rosita” o “raza rosácea”, y los orientales “raza amarillenta”, ya que amarillos, lo que se dice amarillos, la verdad no son. La “raza roja” de los americanos originales sería más bien morena o cuando mucho “cobriza”. Eso sí, todos tenemos la sangre roja, menos unos cuantos trasnochados que insisten en tener la sangre azul...
Frecuentemente tengo broncas con los clientes cuando piden algo así como “ponle el mismo azul, sólo que más fuerte”. ¿Qué diablos quieren decir con “más fuerte“? ¿Con más negro? ¿Con más gris? ¿Más saturado? ¿Menos saturado? ¿Tirando más al cyan que al magenta?
Las posibilidades de malentendidos son astronómicas...
La otra vez tuve una situación difícil en una chamba: un cliente me pidió un rojo sangre, pero “mucho más clarito”. El problema es que, a diferencia del azul o del verde, que siguien siendo azul y verde cuando se aclaran, el rojo al aclararse se vuelve otro color: rosa.
Y pa’ qué les cuento todos los “significados” asociados al rosa: que si es de niñas, que si es de “putitos” (disculpen la expresión los que se sientan aludidos), que si es “floral”, que si es “fresita”, que si blablablá. Y el cliente en cuestión me lo pedía para una etiqueta de cierto licor de ésos muy pero muy para machos, y por supuesto que no le gustó el resultado que él mismo solicitó.
El problema real es que el rosa técnicamente es un rojo claro –o sea, un tono del rojo– pero el idioma lo ha clasificado como un “color” independiente, al que se han asociado montones de sentidos que condicionan su uso en nuestra cultura, empezando por el nombre de ciertas flores que, a pesar de venir en todos los colores, se nombran igual que el tono en cuestión. No por nada Gertrude Stein y Mecano pudieron decir: una rosa es una rosa es una rosa...
Otra cosa pasa con el azul: todos lo piden. De 10 clientes que solicitan un logo, 8 lo quieren azul. ¿Por qué? Pues no sé, quizá por que es el color del cielo, del mar, de los ojos que a muchos más gustan en este país racista y ojinegro (sí, digámoslo claro y reconozcamos que en México hay preferencias y discriminaciones raciales), porque es el color de los uniformes y de la noche... ah, y el color de los hombres: nos visten de azul desde el primer día de nuestras vidas. Añadamos que hay una conocida diseñadora mexicana que así se llama: Azul. Y también es el color dominante del gabacho, de los brutánicos y de los franchutes, debidamente dosificado y calentado con el rojo y el blanco. Los gringos, por cierto, asocian –no entiendo porqué– al azul con la tristeza, de ahí el nombre del Blues, música que abunda en esta emoción, que para mí es más bien parda y terrosa.
Esto me recuerda que hace unos diez años, si uno quería cambiar un cheque, sabía que estaba el banco verde, el banco rojo, el banco azul, el banco café, y... párale de contar. Ahora TODOS son azules, seguramente porque los flamantes y asertivos (¿qué chingaos significa “asertivo”?) ejecutivos que autorizaron las imágenes corporativas, en un arranque de originalidad, optaron por confundirse entre sí. Los únicos que no son azules son los bancos importado, y uno por ahí, solitario y regio y nacional, proveniente del Norte.
Este colorido recorrido no estaría completo sin discurrir sobre el rojo: baste decir que la Navidad, Coca-Cola, China, el Partido Comunista, los semáforos, las empresas en bancarrota, el Infierno y las pelirrojas han secuestrado este color, aunque muy pocas –naturales, que conste– tienen realmente colorado el pelo. Y como dicen por ahí: “más vale una colorada que cincuenta descoloridas”. Además, existe un insigne diseñador mexicano-gachupín rojo, tan Rojo que así se llama. Por otro lado, no se suele llamar “rojillo” al consumidor de CocaCola, sino justamente a aquellos que la apodan “el agua negra del imperialismo”. Lo que me recuerda que las aguas negras raramente son negras, sino café cacoso con destellos verduzcos radiactivos. Por cierto, el verde, tan natural y ecológico, se asocia además a los venenos, a la enfermedad, al ajenjo (el ‘hada verde’) y a la envidia. Curiosamente, también se asocia a la esperanza, ¿quién nos entiende?
Pero como diseñadores, por tradición, nuestro color es el negro. Negras son las letras –sobre todo las góticas– negra es la tinta, negros los números de las cuentas de nuestros clientes... o éso dicen. El texto de un libro se puede componer en cualquier color, siempre y cuando sea negro. La culpa la tienen los chinos, con su tinta apropiadamente llamada ídem. Y tradicionalmente, el segundo color de los impresores es el rojo. Quizá por eso los alemanes, tan buenos impresores siempre, los tomaron para sus banderas gamadas, hitlerianas y nacionalsocialistas.
Pero en México y otros países sindicalizados, esta combinación equivale a huelga. Ya estoy harto de los clientes que, al primer vistazo de un audaz diseño rojinegro, automáticamente piensan en paro laboral. Los engaño diciéndoles que el negro que ven realmente es un azul muy subido de tono. ¡Y me creen, já!
Los colores no nada más se ven. Se piensan, se intuyen, se alucinan al grado de nublar la visión. No por otra cosa hay negras conciencias y ladrones de cuello blanco, y por supuesto, tratantes de blancas (que a veces se las ven negras). Y también los colores se oyen, sobre todo cuando son chillantes.
Los diseñadores, aparte, nos enfrentamos al dilema de traducir estos galimatías lingüísticos a los fríos términos de la guía Pantone, los centésimos números del CMYK, las herméticas cifras del RGB. Con la complicación añadida de que estos tres sistemas no son compatibles entre sí, lo cual hace aún más difícil la traslación, que nunca es exacta. Cualquier usuario de Photoshop lo sabe. Cualquier impresor lo sabe. El pedo es explicárselo al cliente, que nunca nos cree que es imposible que el azul de su tarjeta impresa en selección de color luzca exactamente como en la pantalla de su computadora (que seguramente tiene el monitor mal calibrado).
Y esto se complica aún más con las paletas personales. No las Tutsipop y las Payaso, sino la combinación de colores que cada quien usa, y que con los años y el oficio vamos dolorosamente refinando, al grado de convertirse en parte de las “señas particulares” de cada creador visual. Hay paletas Mondrianescas, Vangoghsianas, Goyescas, Hokusaisianas, Rembrandescas, Rafaelinas, Leonardianas, Klimtianas, Kandinskianas, Posadescas, Riverianas, Fridakahloescas... y en el caso de los diseñadores mexicanos tenemos paletas Montalvinas, Lopezcastrianas, Alderetianas, Almeidianas, Hula-hulescas, Ideogramianas, Bachanianas, Monroyanas, Betteanas, Chopperescas, Jordanianas... Las paletas de éste último, mi cuate Federico, además de chingonas, son inexplicables. No entiendo en qué estado mental debe estar uno para colocar un morado obispo junto a un verde pistache junto a un rojo sanguinolento junto a un azul chiclamino y además lograr ¡que se vean bien! Como un acorde picoso en medio de un son jarocho, como un guiso indostánico de cien especias que a la vez desentonan y combinan.
Las paletas de color son como la música. Específicamente, como la armonía de una canción. Hay pintores y diseñadores en escalas mayores, menores, modales, pentatónicas, diatónicas, cromáticas. No es casualidad que a sonidos y colores los llamemos tonos por igual. Los colores primarios son como un acorde de Do mayor, pleno y satisfactorio, pero aburrido después de un rato. Yo tiendo a las paletas secundarias –naranjas, morados, verdezules– y otros diseñadores tienen predilecciones aún más raras. Los hay incluso monotónicos y daltónicos y no por eso menos geniales (ni monótonos). Jorge Alderete me comentaba hace unos años, a la orilla de unas cervezas, que él cada vez empleaba menos colores en sus diseños, y a veces los mejores resultados los conseguía usando sólo dos tonos complementarios. Hay armonías que no por simples, son menos efectivas. Muestra definitiva de la habilidad de un diseñador es su uso certero del color, y hay quien logra mucho con poco ¡Cuantos logotipos bellamente trazados fracasan por una elección cromática mal planeada¡ ¡Cuántas veces un logo chafa es rescatado por el color!
Me viene a mente la película Girl with the Pearl Earring, una de mis favoritas, no sólo porque la protagoniza la musa perfecta Scarlett Johansson (que por cierto, tiene nombre de suculento matiz del rojo), sino por que su otro protagonista es justamente el color, manejado por el genio holandés Jan Vermeer, uno de mis pintores de cabecera.
En una escena magistral, Vermeer (Colin Firth) le pregunta a la modesta muchacha campesina que le sirve como criada, y que ha empezado a interesarse en el extraño oficio de su amo:
—Díme, Griet, ¿de qué color son las nubes?
Griet (Scarlett) le responde, con cara de obviedad:
—Blancas. Todo el mundo lo sabe.
Vermeer le dice:
—Míralas de nuevo.
Griet se asoma por un largo rato a la ventana, y de pronto murmura:
—Son blancas... y grises, y azules, y moradas, y verdes, y amarillas, y negras, y...
Con ojos brillantes de cómplice satisfecho, Vermeer le susurra al oído:
—Ahora lo entiendes.

No se diga más. Ahí está el secreto del color: ninguna cosa es totalmente como suponemos que es. El pasto no es verde: es amarillo, y café, y verdeazul, y pardo a la vez. El sol no es amarillo: es blanco, es rojo, es azul, es morado, es carmín y todos estos tonos juntos. El cielo no es azul: es violeta, es negro, es blanco, es añil, es turquesa, es verde, es gris, dependiendo de la hora, de la estación y de nuestro ánimo.
Todo cambia, nada es igual a sí mismo. Sólo las personas sin mirada y sin imaginación ven las mismas cosas siempre del mismo color y piensan que los días nublados son feos. El diseñador –el artista– tiene que observar, no suponer. Y el lenguaje nunca nos dará “el cuadro completo” (the whole picture). Decir azul, amarillo, verde, rojo, sólo son desvalidas simplificaciones de nuestra lengua para dar cuenta de lo que sólo los ojos y el espíritu pueden captar en su totalidad, con ayuda de la luz. Como me decía cierto cliente, que no por cliente era menos sagaz: “los diseños hay que verlos, no platicarlos”.
Y, colorín colorado, este cuento se ha acabado.

Crónicas Brasileiras (Segunda Parte)

Wed, 13 Aug 2008 11:42:16 -0500

Pos acá de nuevo, con el atrasadísimo post de la segunda parte de las andanzas por el Brasil.
Más que rollo, me concentraré en las fotos y en un video, tomado y editado por el colega Henrique Nardi, de Tipocracia. Este video me gusta mucho, porque resume muy bien varias técnicas de caligrafía que uso, así como las demostraciones con diversos intrumentos de escritura, que incluyen de la plumilla de punta cuadrada, la plumilla flexible, el pincel de acero, la jeringa hipodérmica (¡serio!); así como mi patentada técnica tercermundista del cartoncito sumergido en tinta escolar y mezclada directamente en el papel, que surgió de la necesidad de hacer caligrafía con materiales baratos y accesibles, porque que en México no siempre se pueden encontrar plumillas y tintas profesionales. Chéquenlo, ojalá les guste, la música es genial...
(Por cierto, en YouTube hay una versión de mayor resolución que pueden ver acá, los que deseen clavarse en la textura...)
En cuanto a las imágenes, empezando de arriba a abajo y de izquierda a derecha:
Una firmilla en Arcana caligráfica, paulista y con pluma flexível.
Perspectiva de caligrafía hecha con jeringa.
Caligrafía expresiva con cartón entintado.
Modelo de letra gótica textura.
Explicando la caligrafía árabe thuluth.
Traducción pastelera literal: “Señores clientes, favor de manosear los productos con cuidado. Será cobrado de su señoría en caso de que derrumbe los productos” (¡juarjuar!)
En el Museo de Arte Moderno de SP, una instalación tridimensional muy chida: hojas en diferentes plano que cambiaban con la perspectiva del espectador, cual caleidoscopio.
y 8b) Aparición sobrenatural en el Corcovado, en Rio de Janeiro (¡ay nanita!)
Romántica y melosa vista del Pão de Açúcar, surgiendo de la bruma carioca... Vaja bém!